revista mutt / revista de arte joven

Novedades Mutt

2011-04-02T22:23:00.000-07:00

Noticias y Novedades R.Mutt

2011-03-24T00:01:00.000-07:00

Francis Bacon La punta del Iceberg

Excepcional exhibición de 40 dibujos blanco y negro atribuidos a Francis Bacon ya expuestos en el marco de la Bienal de Venecia de 2009 y recientemente en la Fundación Durini de Milán. Curada por el prestigioso crítico de arte Edgard Lucie-Smith y Máximo Scaringela se podrá ver por primera vez en la Argentina una obra íntima del genial artista irlandés. Se trata de grandes hojas a modo de escenas individuales que descubren personajes sometidos al filtro de las deformaciones propias del artista. Imágenes sobre papel que ratifican una vez más el reconocimiento de Bacon como uno de artistas más originales del siglo XX. Entre los temas de las obras aparecen los Papas, inspirados en el retrato de Inocencio X de Velázquez, la Crucifixión, retratos y autorretratos.

Inauguración 30/6 Cierra 19/8

Centro Cultural Borges - Viamonte esq. San Martín

5555-5359

Post-it, Ciudades Ocasionales

Desde el 7 de julio hasta el 26 de agosto, se podrá visitar la muestra “Post-it City. Ciudades Ocasionales”, parte del proyecto “Post-it-City”, dirigido por Martí Peran e iniciado en 2005 durante la celebración de seminarios y talleres en el Centre d’Art Santa Mónica de Barcelona.

El proyecto de investigación pone el acento en los usos y ocupación temporales del espacio público para actividades comerciales, lúdicas y sexuales de varias ciudades del mundo. Según el equipo curatorial, este tipo de prácticas urbanas aparecen, se desplazan y desaparecen, como si se tratara de un post-it que señala lugares, puntualmente importantes, y que casi no deja rastro alguno.
Casa de la Cultura
Martes, Miércoles, Jueves, Viernes, Sábados, Domingos, 14 a 20 hs. Gratis
Av. de Mayo, 575. Tel:4323-9669Cómo llegar: colectivos 2, 9, 10, 22, 28, 29, 64, 86, 91,105, 111. Subte A.

Índice:

Bajá la edición impresa desde acá.
Festival de la India en Buenos Aires 2009.
Henry Horestein, Fotógrafo.
Cultura y Media
MÚSICA: Nueva Seccíon
MÚSICA:Momusi
cheLA
Corto Cinematográfico: Dentro de una cabeza insana
Obra elegida galería R.Mutt: Matias Pellegrini
Literatura:
Espacios Culturales.mutt: Fundación Federico Klemm
Movimientos Artisticos: Impresionismo
Manos a la obra: Nro. 5 Papel Mache
Humor por Horsy: "Tormenta"
Agenda: Noviembre 2009

Salió R.Mutt !

Índice:

Bajá la edición impresa desde acá.
FIBA 2009.
Pink Freud! Mi mente me odia!.
Curriculum Cero

Buenos Aires POP

CINE:SoloCortos.com

CINE:Cortometrajes Online

CINE:elReverso, guía de cine

MÚSICA: Fantasmagoría
El Aleph musical de Roberto Scafidi
Entrevista a Andrés Giles.
Corto Cinematográfico: Mañana vemos
Obra elegida galería R.Mutt: Florencia Del Gesso
Literatura: La poesía de Karina Sacerdote

Espacios Culturales.mutt: M.A.L.B.A.

Movimientos Artisticos: Pop Art
Manos a la obra: Nro. 4 Tempera de huevo

NOVIEMBRE 09 PAG 10

2009-12-14T20:51:00.000-08:00

NOVIEMBRE 09 PAG 10

NOVIEMBRE 09 PAG 12

2009-12-14T20:48:00.000-08:00

NOVIEMBRE 09 PAG 12

NOVIEMBRE 09 PAG 11

2009-12-14T20:45:00.000-08:00

NOVIEMBRE 09 PAG 11

NOVIEMBRE 09 PAG. 08

2009-12-14T20:42:00.000-08:00

NOVIEMBRE 09 PAG. 08

CHELA Noviembre 2009 Revista R Mutt

2009-12-14T20:35:00.000-08:00

CHELA Noviembre 2009 Revista R Mutt

VOLVER

MOMUSI Noviembre 2009

2009-12-14T20:31:00.000-08:00

MOMUSI R.MUTT Noviembre 2009

VOLVER

Nueva Galería de Música R.Mutt NOVIEMBRE 09

2009-12-14T20:26:00.000-08:00

Galería de Música R.Mutt

VOLVER

Novedades Noviembre 2009

2009-12-14T20:16:00.000-08:00

Revista R.Mutt

Humanoquerido Música

2009-11-29T15:46:00.000-08:00

Humano Querido

http://www.myspace.com/humanoquerido

Acerca de Humanoquerido (por Humanoquerido)
Esta banda completamente fracasada tiene en su haber cualitativos logros. Intrascendentes por cierto e ignotos e insignificantes para muchos. Haber tocado antes que Charly Garcia, por ejemplo. Precisamente una hora y MEDIA antes en el mismo escenario o haber dado recitales teloneando a los amigos de Flema, de los Decadentes ante 10000 personas o de las Manos de Fillippi o Pepe Alvano o Karamelo Santo o de ¡¡Memphis!! entre otros de nada les ha servido y siguen experimentando después de 12 años de trayectoria el frío y la comodidad del anonimato. Tampoco han sabido aprovechar la primer mención del festival argentino de vide clips del 2006 que lograron gracias a un videoclip (obviamente era un certamen de videoclips, organizado por el bafici con jurados como Pucho Mentasti, Gustavo Cerati, etc) de un tema titulado Paraliticamente, compitiendo con videos "independientes” de Las Pelotas, Miranda, Melero Bochatonn etc... por citar los nombres mas reconocido de ése certamen ni aportarles en nada a las rotaciones televisivas del video en cuestión, ni las rotaciones del tema "El Loco de Porquería" que fue el primer corte de su primer disco en cd (en vinilo nunca grabaron nada, SÍ DEMOS EN CASSETES) que como cortina musical utilizó Polka para algunas de sus teleseries, ni la rotación actual en el programa de Luis Majul en la radio red (ganancia de pescadores) siendo para los integrantes detalles insignificantes que de nada les ha servido en su "basta" trayectoria. A veces en sus ratos libres sueñan con vivir de la música sabiendo que malograrán su imaginación en imposibles. Cada cual vive muy rara vez de la música, pero sí para y con ella. Desafíos que a través de 12 años supieron llevar adelante meritoriamente. Uno es titiritero, otro es postproductor de imagen y sonido, otro hace vidrieras, otro tiene una librería, otro da clases de música y trabaja en un kiosco y otro tiene un centro de copiado. Ninguno es millonario ni tienen completamente su vida resuelta, motivo por el cual siendo tan talentosos dentro de la banda (y hay gente que cree eso) tendrían que intentar ser tentados por el mercado musical del rock, pero prefieren inconciente y pragmáticamente ignorar ese tipo de posibilidad. Algunas virtudes hay y de sobra. Esta banda tuvo la fortuna de sonar bien o casi siempre bien desde su formación original. Llegando a sonar hasta con músicos cesionistas en saxos, percusiones y teniendo coristas femeninas, guitarristas femeninas actores y bailarinas, desplegando kisth y falso glamour completamente al pedo en cada una de sus psicodélicas presentaciones, hasta la actualidad mas cruda y psicodélica, también sonando con un potente y homogéneo trío de rock mas el trompetista y el cantante. Hasta llegar hoy a tener a su tecladista original… de invitado!!!! Dando a conocer un espíritu mas punk con el que se criaron cada cual a su modo fuera de esta banda e incorporándolo a su modo. O sea que apostando a la originalidad (pretenciosamente dicho) y sonando bien no han logrado nada mas que cautivar en cada una de sus presentaciones a todo tipo de público mutando a través de los años considerablemente y emparentados con el éxito de una forma muy particular: de lejos... El éxito actual es el de hacer sin presión su segundo disco que comenzó a gestarse hace un año pero que tiene todavía recién unas veinte horas de grabación. No se puede decir que no piensan ni que no se toman su tiempo para hacer las cosas. Mal o bien hechas pero con un sentido muy especial del tiempo creativo de cada obra. Después de 8 años el segundo disco en gestación después de haber dejado dos grabaciones sin terminar. Cada recital es una ceremonia única e irrepetible en la que el público delira (pensando en otras cosas) baila y canta (según que estén escuchando en sus mp3). Es una banda que puede gustar o no pero que jamás pasará inadvertida al pisar un escenario. De los 12 años que llevan de carrera no ganaron ninguna y hace siete que ya tienen al mismo baterista en su formación (el anterior se fue a Europa y el primero nadie sabe ni interesa). Bienn!!Contundente, preciso y creativo ser detrás de los parches y delante de ellos algo de eso también practica. El ingreso del guitarrista ex de Pepe Alvano y el Reviente terminó por darle a esta banda un acabado sonido plagado de riffs y multicromáticas tesituras sonoras, pudriendo un poco la historia musical y brindándole la crudeza con la que se ha criado en su historia de las 6 cuerdas este integrante sin restarle a la banda el power del baile que tanto los caracteriza (discopunk, densotrans) a veces. Este guitarrista sabe qué esta aportando a este grupo y cómo seguir tocando porque sí. El bajista actual es la última adquisición desde hace tres años: Tenían que tocar un sábado y el bajista anterior renunció el viernes. El mismo sábado se les pasó a este nuevo (en ese entonces) integrante 14 temas que interpretó a la perfección de singular manera en lugar lleno a las 2 o 3 de la mañana. Sin que nadie se diera cuenta de cuanto nuevo era en el grupo, (ni público ni integrantes) otorgando imagen nueva y frescura y aún mas contundencia en las bases. Después de esa anecdótica noche era obvio que tenia que ser el bajista de esta singular banda. El trompetista, uno de los miembros (con perdón de la expresión) fundadores de esta agrupación siempre desde que empezó a tocar supo bien en qué perder su tiempo. Carismático en escena y estridentemente melodioso, se la re aguantó sostuvo y complotó en contra y a favor de su vida y de la banda misma, atravesando todas las etapas de Humano Querido. El tecaldista, otro de los originarios en este grupo, de golpe, después de haber autosaboteado a la banda y de haber aportado sus melodías desde el teclado, mas o menos a mediado de junio del 2008 desapareció haciendo caso a su vocación desde siempre: el desertamiento musical... pero a veces misteriosamente aparece y aporta lo suyo… lo que puede… El cantante carismático showman, autor de la totalidad de las letras y de varios de los temas, es al que se le nota mayor cambio en el proceso de esta trayectoria. Desafinaba compulsivamente al comenzar a cantar y ahora canta y desentona en ocasiones muy notables. Pero el cambio mas fuerte en este camino de vida es el siguiente: comenzó con la banda drogándose con todo tipo de sustancias, de cualquier manera y embriagándose cortantemente. Ahora casi no usa drogas y cambió de embriagarse a enviagrarse. Siguen y siguen tocando (en las ocasiones que lo hacen) sin llegar a complacer a las grandes masas de público (pues no los conocen), pero sí alegrando e impactando visual y auditivamente a quienes se acercan a sus shows. Sonando cada vez mas fuerte y mejor… con una personalidad abrumadora e intempestiva que los hace únicos aunque a nadie le sirva. Humano Querido sigue siendo una banda pobre, pero nunca una pobre banda. Singular trayectoria de esta significativa, peculiar y carismática banda que sin fracasar en el intento intenta fracasos lográndolos con éxito constante.

Volver a Galería

Detonantes Rock Música

2009-11-29T15:34:00.000-08:00

Detonantes Rock

http://www.elsonar.com.ar/detonantes/

http://www.purevolume.com/detonantes

http://www.myspace.com/detonantesrock

Integrantes

Joaquín Carámbula (voz, guitarra líder)

Mateo Sujatovich (voz, guitarra rítmica)

Tomás Bonifacio (voz, bajo)

Aston Castro (batería)

Detonantes se forma a mitades de 2007 cuando Joaquín Carámbula y Mateo Sujatovich se conocen y deciden encarar el proyecto junto con el bajista Nicolás bolo y el actual batero, Aston castro. Con dicha formación e ideas en la cabeza empiezan a componer temas y a tocar en varios lugares de la capital y alrededores. A fines de 2007, con 5 canciones compuestas, lanzan su primer demo. Con este logran aumentar el nivel de fechas, y también de concurrencia. Al mismo ritmo se desarrollo el 2008 para Detonantes sin mucho progreso debido a situaciones particulares de los integrantes, como por ejemplo: tocar acompañados de reconocidas figuras del rock nacional como el caso de Joaquín, con la banda solista de Juanse, y junto a su hermano Gabriel Carámbula; y en el caso de mateo, también ha compartido algunas zapadas con Daniel Colombres, entre otros. El 2009 se inicio productivamente para la banda por el lanzamiento de su primer Ep titulado “material explosivo”, el cual consta de 5 nuevos temas grabados a nivel profesional. Con este trabajo lograron aumentar aún más la repercusión y afianzar mas su sonido e influencias. Supieron lograr crear un concepto de rock propio que ya estaba desvanecido en la escena local. Detonantes apunta a crear un estilo de rock innovador con una amplia gama de influencias rockeras tales como Led Zeppelin, Deep Purple, Kiss, Ac/Dc, Beatles, Rolling Stones, The Stooges, Nirvana, Mötley Crüe y diversas bandas de jazz, funk, y blues; y solistas como Jimi Hendrix, Albert King y Steve Ray Vaughan a nivel internacional. A nivel nacional están influenciados por bandas como Pappo’s Blues, Riff Y Pescado Rabioso. Luego de editar el Ep, el bajista se abre del proyecto para iniciar un estilo más progresivo, en su lugar ingresa a la banda Tomas Bonifacio cuyas influencias y estilo encajan más armónicamente con el proyecto. Con esta nueva y solida formación ellos continúan presentándose y componiendo ya de una manera más homogénea (poseen el mismo género o naturaleza, y cuyas composiciones y estructuras son uniformes). Detonantes piensa en editar un disco y con el realizar su primer videoclip, además claro, de seguir tocando de manera frecuente, como siempre lo hizo y más aún.

Volver a Galería

Malaquerencia Música

2009-11-29T15:10:00.000-08:00

Malaquerencia
Rock
http://www.malaquerencia.com/

Volver a Galería

La Escuela del Desaprender Música

2009-11-29T11:38:00.000-08:00

La Escuela del Desaprender

http://www.laescueladeldesaprender.com/
http://www.myspace.com/laescueladeldesaprender

PRIMERA PARTE: Nuestra historia no es muy diferente a la tuya, no somos más que los pibes del barrio, los amigos del colegio, los hermanos del camino, la escuela del desaprender viene del norte argentino, sin saberlo claro. Vallamos un poco para atrás en el tiempo, a principios de septiembre del año 1993, sin ningún conocimiento musical, mas que el que proporcionaban los viejos cassettes de los redondos y las tardes de esquinas en Valentín Alsina, los primos Diego Parola (batería) y Gastón Zanello (voz), junto a otros amigos deciden, un poco por casualidad y otro porque tenia que ser así, formar E.X.E.R. (Embrujados por el Rocanroll), y así, con la llegada de la vieja batería Muss, un parlante, unos cuantos cables espiral, un micrófono y un equipo de audio recontraviejo, prestado por el hijo de la quiosquera de enfrente, tocan por única ves el 21 de ese mismo mes, en el colegio Giribone de Avellaneda a las 9 de la mañana. Ya nada seria igual. Días después, la banda se separa, Diego, junto al Chicho y Claudio, forman Hada Violada, y Gastón (batería), junto a sus amigos Ezequiel Calvano (bajo) y Pablo, forman Eutanasia. Por el año 1997 Gustavo Filograsso (guitarra) forma Ejercito de Perdedores, en el 98 participa de Neuróticos y Estado de Sitio, todas bandas con amigos del barrio de Luis Guillón. En el año 1999 Eutanasia busca nuevo guitarrista, e incorpora a Gustavo, con la promesa de una gira por el extranjero, que claro esta, nunca llego. Ese mismo año, Hada Violada se separa y Diego queda parado un tiempo. En el año 2000 Gonzalo Illescas (guitarra) forma Lagrimas Negras, Diego se incorpora a Limusina Negra, que mas tarde cambiaria su nombre por Bonsones. Entre los años 2004 y 2006 todas estas bandas se separan, Ezequiel se ira al interior de la provincia de Bs. As., Diego y Gonzalo en capital, trabajando, Gustavo se mantendría tocando, formando Belakun en el 2005 y participando de diferentes bandas de estilos variados, Gastón se ira al norte, pensando que así, (equivocado claro) todo quedaría atrás. //SEGUNDA PARTE: Son raras las cosas, es muy difícil decir donde nacen, o por que se dan, lo cierto es que pasan. A mediados del 2003, en un viaje repentino, Gastón descubre el refugio nómada popular en resistencia Iruyac, en las montañas del noroeste argentino, lugar que lo atraparía para siempre. Después de unos años, el refugio es denominado por el Marto como La Escuela del Desaprender, nombre que Gastón tomaría como propio. En el 2005 el viaje es del norte a Europa, y aunque nadie lo sabía aun, la idea de volver ya estaba latiendo. Tras unos meses en el País Vasco, Gastón mantiene unas conversaciones telefónicas con Ezequiel, al que hacia unos años que no veía, en donde le cuenta que ya no aguanta mas, que había que intentarlo otra vez, Ezequiel se entusiasma con la idea y Gastón se comunica de inmediato con diego, diciéndole lo mismo, y claro esta, paso. En octubre del 2005 Gastón vuelve a Bs. As. y es en Valentín Alsina, en la vieja sala de ensayo de Eutanasia, que se produce el primer encuentro, dos guitarras criollas, un balde como batería, y una sola certeza, el rocanroll. El 2006 es un año muy raro para todos, Gastón (voz), Ezequiel (bajo) y diego (batería), junto a Mario en guitarra, empiezan a darle forma a la idea, pero con muchas dificultades, a principios de 2007 se incorpora Gonzalo (guitarra), y la banda se afianza mucho mas, a mediados de ese mismo año Mario se aleja por problemas personales, y unas semanas después se incorpora Gustavo (guitarra) y Damian (armónica) dando forma definitiva a La Escuela del Desaprender, tocando por primera ves en noviembre de ese mismo año. //TERCERA PATE: Durante el año 2008 nos damos el gusto de tocar en varios lugares de Capital y Gran Buenos Aires. Durante esos shows la banda empieza a pisar los escenarios con mucha autoridad, arrancando así esta tercera parte no de una banda, sino de la escuela del desaprender que significa el vivir para cada uno de nosotros. El resto recién empieza.

Volver a Galería

Amigoacidos Música

2009-11-29T11:03:00.000-08:00

Rock / Folk Rock / Pop

http://www.myspace.com/amigoacidos

http://sonica.speedy.com.ar/artistas_espacio.php?ID=2486

http://amigoacidos.es.tl/

Volver a Galería

Galería de Música

2009-11-29T10:56:00.000-08:00

Galería de Música

Amigoacidos, Bs. As.

Detonantes, Bs As.

Malaquerencia, Córdoba.

Humano Querido, Bs. As.

La Escuela del Desaprender, Bs. As.

Volver a Galería

Alejandro Vilas Arte Plástico

2009-10-31T21:11:00.000-07:00

Alejandro Vilas. Bs. As.
http://www.alejandrovilas.blogspot.com/

Volver

Anna Kovaltchouk Fotografía

2009-10-31T20:49:00.000-07:00

Anna Kovaltchouk. (1985) Bs. As.
http://www.flickr.com/photos/sonicmushroom/

Volver

Eva Cuevas Arte Plástico

2009-10-31T20:40:00.000-07:00

Eva Cuevas, Bs As.
Estudiante I.U.N.A.
http://www.eva-cuevas.blogspot.com/

Volver

Pink Freud! Mi mente me odia!. Octubre 2009

2009-10-17T12:44:00.000-07:00

¿Tenes ganas de ver teatro?. Pink Freud! Mi mente me odia!. Todos los jueves y sábados a las 00.30hs. a la gorra!. En la Casona de Humahuaca. Humahuaca 3508 Abasto.

http://www.actorfetiche.blogspot.com

Volver a noticias y novedades

Primagayra. Octubre 2009

2009-10-16T13:32:00.000-07:00

Clic para ampliar!

VOLVER A HISTORIETA

Tempera de Huevo. Octubre 2009

2009-10-16T13:27:00.000-07:00

por Sacha Podhorcer

VOLVER A MANOS A LA OBRA

OCTUBRE 2009, Florencia del Gesso

2009-10-16T13:23:00.000-07:00

Esta es la obra del mes que elegimos de la galería R.Mutt, que se encuentra en nuestro sitio web www.revistamutt.com.ar Envianos tu material a revistamutt@gmail.com y forma parte la galería.

"Más allá de cualquier zona prohíbidahay un espejo para nuestra triste transparencia"
Alejandra Pizarnik

La foto es de la serie: Del cuerpo y sus reflejos, homenaje a André Kertésza esperar que la tormenta pase y salga el sol. Florencia del Gesso es estudiante y reside en la ciudad de La Plata.

Galería de Florencia en R.Mutt

Volver a "Obra del Mes"

La poesía de Karina Sacerdote. Octubre 2009

2009-10-16T13:17:00.000-07:00

El testimonio vital en la poesía de Karina Sacerdote

“El poema trasciende a su creador y hace huella en el otro”

En una charla íntima con R.Mutt, la escritora y poeta Karina Sacerdote reflexiona sobre sus inicios, el proceso creativo, sus referentes y sobre el libro “Terapia intensiva”, ediciones Muestrario, de reciente aparición.

La poesía de Karina Sacerdote transita por un borde de doble filo; por un lado corta hasta sangrar de dolor incierto; por el otro abre un tajo en la sensualidad que repara el daño. En “Terapia intensiva”, su primer libro, despliega todo un imaginario de la duda y la desolación. Ella misma lo describe como un “testimonio vital de esa lucha”.
¿Cuándo y por qué empezas a escribir poesía?
Desde muy chica mi abuela materna me recitaba los versos de García Lorca y de Sor Juana Inés de la Cruz. Ella me hizo entrar en el mundo de la poesía, del ritmo poético –mi abuela recitaba maravillosamente-. Ahí mismo comencé a garabatear versos. Mi primer poema, a los seis o siete años, hablaba de una estrella que se había enamorado de un cometa y su brillo se iba apagando con la espera de volverlo a ver. Por supuesto que los versos de este poema eran acordes a la edad que tenía. Recuerdo que después de escribirlo se lo di a ella y la escuché recitarlo. Esos momentos son flashes que quedan como el recuerdo de descubrir, de la total felicidad.
Después, supongo que como todos los que escriben, pasé por las tres etapas de aprendizaje. Primero escribía para mí, para desahogar todo cuanto me pasaba. Después seguí escribiéndole a otro. Otro con nombre y cara, al noviecito del colegio, por ejemplo. Y más tarde, en realidad en el comienzo de la vida como poeta, comencé a escribirme a mí, al otro conocido y a un tercero totalmente anónimo: al amable lector.
¿Qué poetas son tus referentes?
Como ya dije, García Lorca y Sor Juana son ineludiblemente los primeros. Después hay muchísimos, de épocas y estilos variados, que fueron abriéndome nuevos rumbos y me ayudaron en la búsqueda de mi propia voz. Y con esto no estoy dando por sentado que la haya encontrado, voy caminando en esa búsqueda. Una búsqueda eterna y sumamente placentera.
Entre mis referentes están César Vallejo, Salvatore Quasimodo, Catulo, Miguel Hernández, Girondo, Luis Alberto de Cuenca, Alejandra Pizarnik, Borges, Dionisio Ridruejo, Macedonio Fernández, Juan Gelman, entre muchos más. Por supuesto no puedo dejar de nombrar a Marcelo di Marco, hago taller de narrativa con él desde hace ya varios años y no se cansa de enseñarme cosas. No sólo me hace crecer como narradora, si no que también, lo que aprendo de él me hace crecer como poeta.
En los momentos en que la desolación y la incertidumbre es mayor ¿se logran mejores textos?
A veces sí, a veces, no. Es decir, por experiencia, muchas cosas que escribo en momentos de crisis o tristeza, con un buen trabajo de corrección posterior, resultan ser buenos textos. Pero sucede que las emociones fuertes son disparadores muy potentes y no siempre la potencia trae buenos resultados. Me pasa también que en esos momentos difíciles, no puedo escribir nada, quedo rumiando lo que siento y cuando pasa, surge recién ahí el motor de escritura.
¿Cuál es el proceso creativo en tu escritura? ¿Cómo nace el poema?
En mi caso, el poema nace de una imagen que puede surgir de una sensación o de algo que veo. A partir de esa imagen se tejen las otras, se entraman, se besan y se apartan. Danzan las imágenes a un ritmo único y crean al final un todo que transmite la sensación impulsora u alguna otra que se haya ido gestando en la confluencia de los versos.
A veces se escribe por simple impulso, quizás inconsciente. El sentido del poema ¿está siempre presente? ¿o surge después de la escritura?
El sentido del poema es relativo. Como toda obra artística es subjetivo. El poeta escribe, el lector siente. El sentir del lector no siempre se da la mano con el sentimiento del poeta al crear los versos. Y está bien que así sea: porque el poema trasciende a su creador y hace huella en el otro. Como decía Baldomero Fernández Moreno: Ante la poesía, tanto da temblar como comprender.
Los poemas de “Terapia intensiva” son relativamente breves, pero en esa brevedad hay una densidad conceptual muy interesante. ¿La brevedad multiplica los significados?
Yo siento que sí. Intento con mis versos justamente eso: multiplicar, decir poco para que lo dicho se intensifique. Para que el lector encuentre, justamente eso que lo une al poema, eso que busca.
En muchos de los poemas de este libro hay un dolor intenso, un desgarramiento. ¿Qué buscas con ese interés por mostrarlo?
Lo dicho, hacer sentir al lector. Darle la herramienta para dolerse él, para sentirse en el poema, para adaptarlo a su sentir, para que el poema lo toque.
¿Porqué la expresión médica para el nombre del libro: “Terapia Intensiva”?
El título del libro no fue elegido por su potencial poético. Estar en terapia intensiva implica estar en un punto decisivo, en absoluta soledad, a merced de la incertidumbre, del dolor, ajeno a todo. Si se quiere, también impotente ante el destino. En ese punto se ve una realidad nueva y feroz. Se lucha por vivir o morir en el intento. Los poemas de este libro son testimonio vital de esa lucha. De ese momento en que uno se siente en el borde y duda. Ahí, en ese punto intermedio, se escribe el ultimátum y se decide por sí o por no.

http://www.catarticosmioazul.blogspot.com/

por Rodrigo Illescas

MALBA, Octubre 2009

2009-10-16T13:12:00.000-07:00

Espacios Culturales.Mutt

El Malba

Colección Constantini, Uno de los museos mas modernos Buenos Aires, nos trae a Andy Warhol en Octubre.

En el año 1998, el terreno que se encuentra en Av. Figueroa Alcorta al 3400 se puso a la venta. Dando lugar a la construcción del museo más perfumado, coqueto y nuevo de la ciudad. El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, mejor conocido como Malba.

El museo fue construido por la Fundación Constantini, la cual fue creada por y gracias al aporte de Eduardo Constantini, un empresario, dueño del barrio privado Nordelta y propietario de las Torres Catalinas de Buenos Aires entre otros negocios. Su patrimonio supera los 200 millones de dólares.

Entre los objetivos de esta institución, se encuentra el de educar y despertar interés por el arte latinoamericano, contribuir a la producción de arte, promover el intercambio artístico entre instituciones, conservar, estudiar, coleccionar y difundir obras de arte latinoamericanas.

Un dato que no debemos dejar pasar, consiste en que las obras del museo no pertenecen a Constantini ni a su familia sino a la sociedad misma.Otro dato interesante del Malba es que para ingresar se debe pagar una entrada con un valor de $15.

Aunque suene contradictorio y hayamos leído la palabra latinoamericano tres veces hasta ahora en este texto, el museo prepara para el 22 de octubre de este año, una de las muestras más importantes que desembarcaron en este país: Andy Warhol. Mr. América.Las 170 obras, de unos de los principales protagonistas del pop art, visitarán Buenos Aires y se quedarán hasta el 22 de febrero del 2010. Así que vamos a tener tiempo de ir a visitarla varias veces hasta que parta rumbo a la Pinacoteca De San Paulo, Brasil.

La muestra está compuesta por 26 pinturas, 58 grabados, 39 fotografías y 2 instalaciones (Silver Clouds y Cow wallpaper), además de 44 películas que se proyectarán en el auditorio del mismo museo, mostrando en particular el período del artista estadounidense que va desde 1961 hasta 1968.

Básicamente es la primera colección tan completa que llega a la Argentina de este artista. Uno de los tantos logros importantes de Warhol fue la de crear la primer corriente estética verdaderamente de los Estados Unidos.

Debemos reconocer que muchísimos diseñadores y publicistas se influenciaron consientes e inconscientemente de las obras de Andy, además se puede decir que en la cuna del capitalismo y la cadena de montaje, Warhol pudo lograr hacer lo mismo con el arte, producir en masa.

Andy nació en EE.UU. hijo de inmigrantes originarios de Europa del este, creció durante la Gran Depresión estadounidense del 30. Le tocó vivir la parte más cruda del “sueño americano”. En sus comienzos trabajó como ilustrador comercial, luego fue contratado por una discográfica para realizar afiches y el arte de tapa de los discos. Luego creo “The Factory”, un gran estudio-taller en donde trabajó con muchísimos artistas. Para mas información sobre Warhol y el Pop Art leer el articulo movimientos R.Mutt en la página siguiente.

Av. Figueroa Alcorta 3415 4808-6500www.malba.org.ar / info@malba.org.arCómo llegar: colectivos: 130 - 67 - 60 - 59 -118 Caminando: desde Av. Las Heras caminar por salguero en sentido del transito hasta llegar a Av. Figuero Alcorta.

Por Facundo Macchi

Fantasmagoria. Octubre 2009

2009-10-16T13:00:00.000-07:00

Fantasmagoria

Esta es sin duda una banda relativamente nueva que lleva un estilo loco y no muy predecible. Surge a mediados de los 2000, Gori el entonces guitarrista de Fun people decide abrirse y formar un proyecto con canciones que tenia ya ideadas. Así se junta con su hermano Gustavo en el bajo con Ignacio en la batería, y forma Fantasmagoría.

El ultimo disco de esta banda es Abrecadabra, tiene un sonido realmente dulce, melodías de guitarra acústica que le dan matices alegres con un sonido no muy rockero pero si realmente creativo. Las letras de este son también concurrentes a ello, aportan fantasía pero no dejan de marcar mensajes claros en ella. Estas melodías definidas tanto de bajo como de guitarras marcan el estilo de fantasmagoría, y hacen que sea una banda muy recomendable con toques "espaciales" que sorprenden.

www.fantasmalandia.com.ar/

Por Wencia Torres

Volver a música

Mañana vemos. Octubre 2009

2009-10-16T12:57:00.000-07:00

Mañana vemos

Entrevistamos a Ayelen Dotti, protagonista y productora del corto Mañana Vemos.

¿Cuál fue el disparador que dio origen al corto?

El disparador fue la incomunicación, la falta de posibilidades que muchas veces tenemos para encontrarnos, creo que frente a este conflicto uno busca soluciones "externas” y ahí aparecen las píldoras que te acomodan ,te ordenan y te ayudan a pertenecer

¿El corto tiene relación con la realidad?

Justamente es una crítica friccionada y extrema, a lo que nos pasa...porque sin dudas existen pastillas para despertar, para dormir y seguramente para olvidar.

A la hora de filmar, cuales fueron las principales dificultades?

En filmación lo que más dificultad presento fue la caída del farol, ya que en la primera caída se rompió más de lo esperado y faltaba una toma, lo reconstruimos más o menos y tuvimos que calcular muy bien el plano donde se rompía completo porque no iba a soportar un golpe más lo que nos daba miedo de que no funcione es el croma en la ventana, las proyecciones y yo personalmente le temía a la piña; pero se pudo.

¿Como se logró ese claro lenguaje visual metafórico?

Lo que se busco desde el guión y dirección fue contar el mundo interno de ellos; lo que los atormenta, lo que tratan de olvidar y está. Para eso recurrimos a esa falsa ventana que te oprime, que no te deja escapar, ellos no pueden salir a respirar. La cámara en mano, los planos detalle también forman parte de este lenguaje, luego lo que se dice es una excusa, lo que importa es que no pueden avanzar, evolucionar...están encerrados de todas las formas posibles.

FICHA TECNICA:

Director: Pablo "La Chancha" Ambrosini

Fecha de realización: 1/1/2004

Duración: 10:00 Minutos

Productor: Dotti/Pfening/Peérez

Fotografía: Laurita Ortego

Edición: "El Chino" Palacio

Guión: Ayelén Dotti

Sonido: Emilio Robirosa

Música: La Mala Rodríguez

Nacionalidad: Argentina

Volver a cine

SoloCortos.com. Octubre 2009

2009-10-16T12:55:00.000-07:00

SoloCortos.com, es una página Argentina, que reúne a muchísimos cortos de diferentes nacionalidades. Posee un ranking de cortos y la posibilidad de postear un comentario en cada uno. Ganó en reiteradas veces el premio “Mejor sitio de arte & cultura mate.ar”. Si estas aburrido y no sabes que hacer ni que ver, te recomendamos que entres en SoloCortos.com y mires la extensa propuesta que vas a encontrar. Además SoloCortos.com ofrece una amplia oferta de cursos y seminarios de cine.
www.solocortos.com

por Facundo Macchi

VOLVER A CINE

Cortometrajes Online. Octubre 2009

2009-10-16T12:51:00.000-07:00

Cortometrajes Online

www.Cortometrajesonline.com es una web española, con estructura de blog, donde se pueden ver cortometrajes de distintos géneros. Todos los días se añade uno nuevo. Además se puede dejar un comentario en el corto y también se puede votar por el mismo. Los requisitos para subir un corto son: haber participado en el mismo y que no supere los 20 minutos.

por Facundo Macchi

VOLVER A CINE

elReverso, guía de cine. Octubre 2009

2009-10-16T12:47:00.000-07:00

elReverso

elReverso es un buscador de cine alternativo para la Ciudad de Buenos Aires. La pretensión del portal es disponer en un mismo lugar información sobre todas esas funciones de cine distinto al que se estrena comercialmente, y que se exhibe en Buenos Aires en circuitos alternativos que usualmente no está fácilmente disponible ni toda junta. Aquí se puede encontrar información completa sobre los ciclos, las películas, lugares y horarios de exhibición.

WWW.ELREVERSO.COM.AR

por Facundo Macchi

Volver a cine

FIBA, Octubre 2009

2009-10-16T12:42:00.000-07:00

Desde 1997, se desarrolla en la ciudad este festival de teatro. Las entradas para las funciones tienen un costo de $40. Se destacan las obras “Hotel Splendid” y “Diciembre”.

http://www.festivaldeteatroba.gov.ar

Volver a noticias y novedades

Curriculum Cero, Octubre 2009

2009-10-16T12:39:00.000-07:00

Ruth Benzacar Galería de Arte convoca a artistas y estudiantes a participar en el concurso de artes visuales CURRICULUM. Podrán participar artistas visuales en general, argentinos nativos o por opción (extranjeros residentes en la Argentina). La técnica será libre. Los concursantes deberán tener entre 15 y 30 años, cumplidos al 21 de septiembre de 2009. Hay tiempo hasta el jueves 22 de octubre. Más info en www.ruthbezacar.com

por Facundo Macchi

Volver a noticias y novedades

Buenos Aires Pop, Octubre 2009

2009-10-16T12:30:00.000-07:00

Bs As POP: Entre el 6 de octubre y el 22 de noviembre se presenta, en el Museo Nacional de Bellas Artes y con entrada libre y gratuita, El Pop Art en la colección del IVAM, un conjunto de obras pertenecientes al Instituto Valenciano de Arte.

Malba Pop: el jueves 22 de octubre a las 19hs el Museo de arte latinoamericano de buenos aires inaugurara la muestra de Andy Warhol “Mr. América” compuesta por 170 obras. Avda. Figueroa Alcorta 3400.

por Facundo Macchi

volver a noticias y novedades

Roberto Scafidi. Octubre 2009

2009-10-16T08:58:00.000-07:00

El Aleph musical de Roberto Scafidi

“A través del arte tenés una percepción más profunda de lo que pasa”

Ciudades, islas, seres asoman en medio de geografías que parecen responder a leyes universales. Las obras de Scafidi enuncian con un lúdico lenguaje un caos provisto de cierto orden simbólico. Una lúcida conversación con uno de los artistas más originales de su generación que se formó con Carlos Gorriarena, Antonio Seguí y Guillermo Kuitca.

Roberto Scafidi propone un juego obsesivo. Cualquiera de sus obras podría ser, sin lugar a dudas, la interpretación minuciosa de las obsesiones de Borges; tienen el peso estudiado de las descripciones que el escritor proponía en su literatura. Vuelto a ese universo transfigura en poesía los afectos y las pasiones que el mundo entrega siempre de forma velada.

Las palabras de Luis Felipe Noé describen su arte con claridad: “Roberto Scafidi es el inventor de su propio juego. Su estar en el mundo es su ir siendo en él, ya que lo va definiendo a este en la marcha de acuerdo a ese juego que va construyendo como un jugador de ajedrez. [...]Pero, como un músico que connota sin denotar, hace sentir en su obra el ritmo de la vida particularmente urbana, continuando un camino iniciado por Mondrian con Broadway Boogie Woogie: el jazz visual. [...].

Cuando hablo de jazz visual me estoy refiriendo a la aplicación en la pintura de una característica de la mayoría de los estilos de jazz: el ritmo se nutre de la reciprocidad entre un impulso continuo y unos desplazamientos mínimos e irregulares de los acentos”.

En una charla con R.Mutt, Roberto Scafidi contó su acercamiento al arte: “Fue muy azaroso y rara mi historia; jamás en mi vida pensé en ser artista, a mi me gustaba la música, yo pensaba en ser músico. Mis padres me mandaron a un colegio comercial, del cual me echaron. Por descarte llegué a un colegio bachiller con arte, el “Lola Mora” y me encantó, aparentemente el arte me salía fácil. Como yo no pensaba ser artista plástico, no tenía presión, a diferencia de lo que me pasaba con la música. La pintura se me dio con mucha naturalidad”.

Su vida, tratada como una más de sus obras, le propuso viajes por geografías no siempre comprensibles. Ahora, tomando cierta distancia y propuesto a reflexionar cuenta: “Viajé a Francia becado al obtener el premio Braque de pintura. En ese tiempo en la Cité Internationale des Arts , donde estaban los becados del gobierno francés, músicos, fotógrafos, cineastas –dice con cierta nostalgia-. trabajé mucho, produje muchas obras. Al volver a Argentina me encontré en un ‘viaje’ medio raro. Mi padre estaba muy enfermo, tuve unos años bastantes ‘picaditos’. Esta situación me sirvió para madurar, no se si hay una relación con el cambio que se produjo en mi trabajo artístico, pero cambió tanto mi vida que seguramente tuvo que ver.” Con una mirada más punzante agrega: “Cuando me fui, era bastante pendejo, y me había comprado a mí mismo. Antes de irme a Francia me había ido bastante bien, vendía mucho.

El día antes de irme vendí diez cuadros; me fui con un montón de guita, y cuando volví me di cuenta que me había creído que estaba todo hecho. No me vinculé con el medio, me dedique a ‘frikear’; fue una etapa bastante bizarra”.

Scafidi se empeña en entrecruzan realidades diferentes para trascender los límites perceptivos. Su obra explora más allá de la luz, el color, la forma; se vislumbra un valor docto en lo referente a los signos históricos del arte, sin dejar de lado el valor simbólico del proceso. “Al trabajar no relaciono lo que hago con la historia del arte, la cual me encanta. La historia de las artes visuales me interesa más como conocimiento profundo, porque a través del arte a veces podemos tener una percepción más profunda de lo que ha pasado o pasa. La historia la podes tergiversar, pero el significado profundo del verdadero arte no tanto. Vos ves que hay una historia de lo que pasaba que es más profunda que lo que la imagen te da, en ese sentido me interesa pensar más que en la utilización de colores, etc, en la vibración invisible. Hay una lectura que también es muy epidérmica; hay muy poca gente que ve realmente de qué se trata el arte, más allá de la época, de tal gobierno, forma o color. Aristóteles decía que el alma le da la forma al cuerpo. Hay una fuerza espiritual , y en el arte pasa lo mismo.”

Por otra parte habla de su posición frente al arte: “No tengo planes de quedar en la historia, no tengo ese afán de trascender. Pasa por otro lugar, esa cosa de idolatría de la obra de arte no me interesa; hay mucha gente que está prendida de la teta del arte por intereses que no tienen nada que ver.”

Fiel a su arte no expone miradas superfluas cuando se le pregunta por el espacio artístico actual: “Creo que en la actualidad se esta fomentando como una cosa divertida pero con poca profundidad, yo me acuerdo que hace un par de años la imagen de arteBA era un patito amarillo,como un arte pop así ya recontra común, como para decorar la televisión, el programa de Rial”.

Asimismo se muestra reticente con el circuito común establecido para el arte: “Hice mucho por la mía, hace unos días estaba pensando eso. Si a vos te gusta algo, lo mejor que vas hacer es aprender por la tuya, salvo que seas tan obtuso que no sepas determinar que es bueno y que es malo para vos y te pierdas. A veces te cruzas con un maestro que en quince minutos de charla te abrió la cabeza y te mostro un camino. Pero el laburo que haces a través de los años no te lo va a dar nadie. Esta bueno estudiar –agrega enérgico-, hacer cursos, pero las horas de vuelo que haces por la tuya no te las saca nadie, y todo lo que uno aprende, ocasionalmente equivocándose, tampoco. Está buenísimo tener una guía, un maestro, pero si vos no te comprometes con tu trabajo pretender que te entre el talento de otro por ósmosis, olvídate. “.
Scafidi da sobradas muestras de haberse ganado, con estudio y trabajo, el lugar de lúcido renovador que Noé le asigna.

Scafidi Recomienda:

Música: Chopin, Smetana, Puccini, Grieg, Tchaicovsky, Beethoven, Mendelsohn, Wagner, Schubert, Schuman (Robert y Clara), Piazzolla, Troilo, Salgán, Pugliese, Charlo, Ignacio Corsini, El trio argentino (Irusta, Fugazot, Demare), Roberto Grela,Debussy, Edmundo Rivero, A. Yupanqui, Suma Paz, Nelly Omar, John Coltrane, Bill Evans, Wes Montgomery, Duke Ellington, Louis Armstrong, Brahms, Mozart, Elvis Costello and Burt Bacharach, Nick Cave, Tom Waits, Enio Morricone, Steve Wonder, Television, Goyeneche, etc, etc.

Literatura: Cervantes, Dante, Dostoiewski, Borges, Schopenhauer, Lichtenberg, Kierkegaard, A.K.Coomaraswamy, entre muchas otras.

Pictóricas-plásticas: Giotto, Fra Angélico, Piero de la Francesca, Bosch, Brueghel, Greco,Tiziano, Tintoretto, Veronés, Rafael, Caravaggio, Velazquez, Vermeer, Rembrandt,Van Eyck, Rubens, Zurbarán, Goya, Turner, Caspar David Friedrich, Poussin, Rodin, Bourdelle, Degas, Klimt, Matisse, Braque, Rouault, Giacometti, Mondrian, entre muchos otros.

Por: Rodrigo Illescas Fotografías: Laura Verónica Nató

Masa de Arena, Septiembre 2009

2009-09-03T19:36:00.000-07:00

CLIC PARA AMPLIAR!

Inspiracion por Horsy, Septiembre 2009

2009-09-03T17:36:00.000-07:00

CLIC PARA AMPLIAR!

Corto Momentos de Estación

2009-09-03T17:21:00.000-07:00

“Ana trabaja en la boletería de una estación de trenes, dónde nunca sucede nada. Pero un día, ella deberá tomar una decisión que podría cambiar su vida”, enuncia la sinopsis del cortometraje ‘Momentos de estación’. “Casi siempre, las historias que escribo nacen de una imagen. En el caso de ‘Momentos...’ esa imagen fue un rostro. El triste rostro de la protagonista. No recuerdo como llegó a mi mente esa imagen. Quizás vi a alguien en la calle que me inspiró. O quizás era yo mismo reflejado en la ventanilla de un colectivo, no lo sé. Solo sé que tuve la necesidad de cambiar esa imagen por lo que no se demoró mucho la llegada del chico y su confesión”, cuenta para R.Mutt Gustavo Cabaña, guionista y director del corto.
Existen dos símbolos particulares en el corto que siembran historias dentro de la historia: la estación y el viaje: “La estación -expresa Cabaña- es el lugar de encuentro.

Donde nace la historia y donde se define o puede definirse. Al principio la historia iba a desarrollarse en otro lugar completamente distinto. Prácticamente un opuesto. La estación llegó más tarde como una necesidad cinematográfica para explotar el material fílmico. Pero, de a poco, fue convirtiéndose en el mejor lugar posible para contar esta historia. La estación de trenes cambió mi corto por completo. Y no digo sólo estéticamente. La historia misma cambió. De todos modos a mí siempre me gustaron los trenes y las estaciones.” Mientras que “en la historia, este viaje en particular es fundamental. Básicamente se trata de un viaje especial que, ya desde el texto, se distingue del resto de los viajes. Un viaje que tiene la condición de presionar a los personajes para hacerlos accionar. El viaje es un símbolo. A todos se nos han presentado estos viajes y varias veces el miedo nos ha paralizado modificando, quizás, el curso de nuestra historia”.

Director y Guión: Gustavo Cabaña

Matías Pellegrini Fotografía

2009-09-03T17:17:00.000-07:00

Matías Pellegrini (1988), Bs As.
http://www.matiaspellegrini.blogspot.com/

Volver

Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos, Septiembre 2009

2009-09-03T16:52:00.000-07:00

Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos

¿Otra comedia tonta con Jim Carrey? No exactamente. En “Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos”, el guionista Charlie Kaufman ("¿Quieres ser John Malkovich?", "El ladrón de orquídeas") y el notable director de videclips Michel Gondry, han creado “una historia de amor en reversa.” Visualmente atractiva, mediante una narrativa fresca y un guión excepcional y original, demuestran que todo lo que se considere obvio puede tener un trasfondo imprevisto.

La historia gira alrededor de dos personajes: Joel (Jim Carrey) es un hombre solitario y rutinario que un día decide, por un impulso, tomar un tren hacia una estación fuera de su ruta. Allí es donde conoce a Clementine (Kate Winslet) una mujer que parecería ser su antítesis, impulsiva y sin rumbo.

Relatos que se generan dentro de otros relatos a la manera de cajas chicas, el film compone el ciclo amoroso de una pareja, desde los rubores del comienzo, pasando por todas las etapas intermedias, hasta el profundo odio.

Sobre “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” -título inspirado en el poema "Eloisa to Abelard" del gran poeta inglés Alexander Pope, (1688-1744):“¡Qué feliz es la suerte de la vestal sin tacha!/ Olvidarse del mundo, por el mundo olvidada./ ¡Eterno resplandor de una mente inmaculada!/ Cada rezo aceptado, cada antojo vencido”-, sobrevuela una sensación amarga, sin embargo los recuerdos van marcando en el espectador una ingeniosa trama de efectos que logran un manto de esperanza en medio de la tragedia de la desmemoria.

Eternal sunshine of the spotless mind
Título
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
Ficha técnica
Dirección
Michel Gondry
Producción
Steve Golin Anthoni Bregman
Guión
Charlie Kaufman
Música
Jon Brion
Fotografía
Ellen Kuras
Montaje
Valdís Óskarsdottir
Reparto
Jim Carrey Kate Winslet Gerry Robert Byrne Elijah Wood Thomas Jay Ryan Mark Ruffalo Jane Adams David Cross Kirsten Dunst Tom Wilkinson Ryan Whitney Debbon Ayer Amir Ali Said Brian Price Paul Litowsky
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
Año
2004
Género
Comedia romántica Ciencia ficción
Duración
108 minutos

Entrevista Mariano Sapia

2009-09-03T16:32:00.000-07:00

La pintura de Mariano Sapia

“Nuestra época ha puesto demasiado énfasis en cosas insignificantes”

El mundo de Mariano Sapia, nacido en 1964, está hecho de pequeñas cosas. Su obra expone el conflicto de los márgenes desde una mirada sensible y comprometida. El amplio repertorio cultural que arrastra desde su temprana infancia compone a este referentes de la plástica argentina.

Con habilidad de gran anfitrión, Sapia propone el juego: una exquisita cena, una hospitalidad desestructurada y una niña, su hija menor, dibujando, pintando y, en ocasiones, opinando.
Su gran capacidad de oratoria y, a la vez, el despojo con que expone la profundidad de ciertos temas, son rasgos personales pero también pinceladas de su pintura. Mariano Sapia en todo momento de la charla propone una mirada corrida del eje habitual con que se ve el circuito artístico. Cuando habla de la infancia, comienzan a vislumbrarse momentos en su arte y una firme posición ideológica. Empieza a contar la forma en que obtuvo lo que ahora pretende transmitir sobre el lienzo: “Yo tuve una formación extremadamente anárquica. Crecí en un contexto donde toda mi casa estaba llena de libro, de cuadros, de esculturas, de pinturas. Con lo cual el acercamiento al arte para mí es siempre desde el placer, no es desde el estudio metódico. Crecí en un contexto donde todo era arte. O sea, algo así como ‘comes, dormís, vas al baño, pintas’. Como una de las partes de la vida. Tengo la sensación de que mucha de la falta de significado que tiene el arte moderno, o directamente carencia de significado, o la insignificancia de una parte del arte moderno, tiene que ver con que está todo encarado de un lugar externo, donde la persona que lo hace no está ahí, está como separada, mediatizada por algo. Creo que la mayor parte de la gente no puede entrar, no tiene una relación que le toque en el cuerpo, que lo toque en su vida. Tengo la sensación de que la mayor parte del arte moderno está absolutamente disociado de la gente. Por empezar de los propios que lo hacen”.
No detiene en este punto su reflexión sino que, del mismo modo que hace con su obra, avanza hasta la profundidad: “Creo que el arte surge de una parte del ser que nosotros usamos poco y nada. El hecho de vivir la cultura nos produce una enorme cantidad de angustias, tensiones. La función que tenía, y que eventualmente tiene el arte, es por un momento volver a estar en paz con el universo. Creo que el origen del arte está ahí. En otro contexto la pintura y otras representaciones hacían que la persona volviera a estar en sosiego. Cuando uno se siente separado, todo empieza a carecer de significado. Cuando de alguna manera te volves a sentir conectado, que es lo que trata de buscar el arte, las cosas vuelven a tener un significado”.
Toda Sapia es su arte; las pequeñas cosas las disfruta y las atesora como elementos esenciales. Así lo representa en sus obras como nacidas bajo la premisa de Matisse: “la pintura tiene que ser una fiesta para los ojos, todo lo demás viene después”.
Donde se ve acumulación indiferente, Sapia descubre un mundo; donde hay caos, Sapia encuentra “un orden por descifrar.” Esa es su manera de pintar una realidad que se escapa al ojo: “Muchas veces pinto el conflicto porque me parece más interesante, porque me gustan los contrastes. Está en todas partes. Es sumamente enriquecedor. El mundo es cada vez más amplio, en el mejor de los sentidos. A mí no me alcanza el tiempo para pintar y estoy todo el tiempo haciéndolo. Hay tantas cosas para pintar. No solamente conflicto, hay tanta belleza”.
Siempre provocador y a un costado de la caravana popular, arremete con su mirada atenta sobre la actualidad en el arte: “Hay un circuito de obras que se hacen para poder venderlas, y nada más. Pero si vos dijeras que eso es un hecho inédito, pero no es verdad. El problema que tiene nuestra época es que lo que se supone que es correcto y estaba bien, es despreciable. Lo que está bien ahora, es lo que está bien hecho para un pequeño grupo de decoradores, diseñadores, curadores de museos y nada más. Cuando, por ejemplo, Leonardo da Vinci hacía y enseñaba cómo había que hacer las cosas, tenía que ver con una concepción de la época, con cánones culturales que habían sido probados a lo largo del tiempo, y que tenían que ver con tradiciones, con mil cosas. No es que yo piense que hay que recuperar cosa viejas o antiguas. Lo que yo digo es que ahora se trata de agradar a gente sin ningún valor”.
A pesar de todo y con ciertas objeciones, muestra un panorama alentador para las artes plásticas: “Como en todas las épocas, hay gente que trabaja bien, otra más o menos, otra que trabaja mal. En este momento la pintura está muy desprestigiada respecto a otras situaciones: el video, la fotografía, la instalación. Pero creo que es un momento especialmente bueno en la pintura, en el arte argentino. Veo por lo menos veinte, treinta personas que están trabajando de verdad muy bien. Con un nivel de complejidad y de profundidad insólitos.” Al respecto nombra solo a algunos: Kuitca, Pirozzi, Stupía, Daniel Santoro, López Herrero, Marcelo Torreta, González Perrin.
Poco se habló de su obra en sí, pero nos queda la sensación de haber compartido tres horas con un artista definitivamente personal y un merecido referente de la plástica argentina.

http://www.marianosapia.com.ar/

Tango de Buenos Aires

2009-09-03T16:28:00.000-07:00

Tango de Buenos Aires

Desde el pasado viernes 14 hasta el lunes 31 de agosto la Ciudad de Buenos Aires se impregnó del nostálgico aroma de su eterno amante, el tango. Los seguidores nacionales e internacionales de este ritmo y estética característicos, tuvieron dieciocho días para deleitarse en forma gratuita con este encuentro completo y variado organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

La propuesta se distribuyo en diez sedes, siendo el epicentro del Festival el tradicional edificio de Harrods, los otros establecimientos fueron el Luna Park, el Teatro Avenida, el Teatro 25 de Mayo, el Centro Cultural Recoleta, la Ciudad Cultural Konex, La Trastienda, Tango Porteño y el Planetario Galileo Galilei.

El evento se dividió en dos bloques importantes, uno fue el Festival de Tango que duró desde su apertura el viernes 14 de agosto hasta el sábado 22 y contó con un amplio catálogo de posibilidades para disfrutar pasando por proyecciones, presentaciones de danza, música, libros, exposiciones artísticas, fiestas de electrotango, seminarios, clases de baile y encuentros de charla. El otro bloque importante fue el Mundial de Baile que fue consecutivo al Festival y que contó con dos categorías, tango de salón y tango de escenario, donde concurrieron gran cantidad de parejas de todo el mundo entusiasmadas por el desafío. El resultado de esta unión desembocó en alrededor de 90 conciertos y 500 artistas mostrando todas las variables que el tango puede presentar en la actualidad.

Novedades Mapa de las Artes

2009-09-03T16:19:00.000-07:00

La Guía T de la Cultura

Único en su tipo, Mapa de las Artes es la guía más completa de espacios culturales de la ciudad de Buenos Aires, reúne 300 lugares, entre galerías, museos, centros culturales, fundaciones, casas de remate y demás espacios dedicados a las artes visuales. Con una tirada masiva de 20.000 ejemplares bimestrales y auspiciada por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires, es una herramienta muy útil para los amantes del arte, y también para los turistas que andan por la ciudad, ya que es bilingüe (español e inglés).

La guía está ordenada por barrios y posee un mapa en el que están señalados todos los espacios culturales. De distribución gratuita en los principales centros turísticos de la ciudad, museos, hoteles 4 y 5 estrellas y cancillerías del mundo, su formato pocket está impreso a todo color en papel ilustración. Este ambicioso proyecto lo lleva adelante un staff de solo 5 personas, entre ellos, su director y creador Agustín Montes de Oca.

Asimismo, Teo Discoli, productor de Mapa de las Artes, le dijo a R.Mutt que desde la salida del primer mapa, hace ya 5 años, no pararon de crecer, y eso les implica un constante esfuerzo y sacrificio. “Al principio comenzó como un poster mapa desplegable; luego pasamos al formato revista y después al actual formato librito”, dice con cierto orgullo.
Teo le contó a este medio que acaban de sacar el Mapa de los Teatros. De similares características que el de las artes, éste reúne una gran parte de la propuesta teatral de Buenos Aires.

El mapa de los teatros salió en el mes de junio con una gran tirada y es repartido en diferentes teatros y centros culturales de la ciudad de buenos aires. Además, como primicia anunció que en breve será lanzado el sitio web del mapa -www.elmapadelasartes.com-, el cual contará con información actualizada las 24hs.

Se recomienda ver trabajo hecho por Ivan Enquin sobre un ejemplar del Mapa de las artes en la galería R.Mutt de arte Plástico.

Obra del mes Septiembre 2009

2009-09-03T12:34:00.000-07:00

Obra del Mes por Kevin Fingier

Oleo, titulo: "me da igual..."

mas de kevin

Editorial Agosto 2009 R.Mutt

2009-09-03T12:16:00.000-07:00

Seguimos creciendo. Y los resultados están, nuestro esfuerzo se ve recompensado. Tenemos en nuestras manos el ejemplar número dos de R.Mutt. Mientras se cocina el número tres. Cada edición publicada es un nuevo peldaño en una escalera que avanza deshilachando los límites que diferencian un proyecto de un hecho. A medida que avanzamos en esta escalera vemos como la experiencia nos va dando forma. Sumamos integrantes al Staff y cada día nos encaminamos para llegar a donde queremos estar. R.Mutt reúne gente joven con ganas de hacer algo, con los mismo intereses y una visión, por lo que cada uno sabe del otro, emparentada. Por eso estamos acá, por eso, entre otras cosas, la gente que quiere generar algo autenticó se une.

En esta edición, le sumamos páginas y secciones a la revista. Todos los meses vamos a analizar un corto cinematográfico, también le vamos a hacer una entrevista a un artista consagrado. En la página ocho podrán encontrar una obra que todos los meses vamos a elegir de nuestra galería R.Mutt. La Galería R.Mutt es un espacio en nuestro sitio web que reúne obras de artistas jóvenes, abierta a cualquier artista que quiera mandarnos material a nuestro mail. Otra buena noticia es que el ministerio de relaciones exteriores nos otorgo nuestro propio dominio web www.revistamutt.com.ar .

Fue al replantear con el equipo la finalidad y búsqueda de la revista, cuando se sugirió el tema de la queja. Es tal vez una palabra con una carga fuerte, hasta podría tachársela de negativa, pero nosotros la concebimos con una funcionalidad productiva. Quejarse es generar un aporte reflexivo para que algo cambie. Lo que es muy distinto a “cambiar algo para que nada cambie”. La idea no es la queja por la queja, o quejarse porque es gratis. Para que el acto tenga validez, lo que hace falta es una justificación razonable, razonada. Pero hay veces en que la misma se vuelve un rasgo del carácter, y lo mismo da quejarse por el clima que por una injusticia. La queja se debe generar desde una acción comprometida y responsable, sino, de otro modo, pierde todo su sentido. A medias no alcanza.

La queja que surge de una persona de 20 años que la expresa y la justifica, no es para desatender. Están quienes se quedan con la sensación de que algo anda mal. Y esa sensación la transforman en algo, la llenan de palabras, la pintan, la detienen en una fotografía. Cada uno se va a su casa y hace arte o algo para que el arte no se vacíe de sentido y de queja. Algo anda mal y hay muchos que lo expresan. Quejarse con arte es expresar un malestar para que sea visto y escuchado.

En este número podrán disfrutar de un montón de propuestas artísticas, una entrevista exquisita a Matías Otamendi, un joven dibujante que no solo hace hablar a sus dibujos, el artista consagrado de este mes es Eduardo Gualdoni, artista plástico. En la galería R.Mutt elegimos una obra de Gonzalo Maciel y el corto de Federico Serafin recordando a la no tan lejana crisis del 2001. Espero que disfruten de este ejemplar y abiertos a cualquier sugerencia o comentario, los editores de R.Mutt.

Editorial Septiembre 2009 R.Mutt

2009-09-03T12:14:00.000-07:00

Cuando nos propusimos comenzar con una revista de arte joven sabíamos la serie de riesgos que enfrentábamos. Pese a todo, lo intentamos. Juntamos las posibilidades personales, las ganas y las intensiones de armar un espacio donde se entrecrucen las miradas de artistas consagrados y artistas nóveles. Desde aquel todavía cercano momento, todo nos lleva a un compromiso y un trabajo cada vez mayor para así crecer dentro de un medio que a veces va construyendo techos a su antojo o a intereses dudosos.
Hablando de estas inquietudes, en una de las reuniones editoriales surgió el tema del viaje. Quizás porque uno de los integrantes del staff estaba partiendo a uno de ellos; quizás porque el éxodo es nuestro en cada reunión; quizás porque queremos cambiar algo, y esta es la metáfora.
El viaje lo sentimos como el comienzo de una búsqueda hacia un descubrimiento que no termina sino que se retroalimenta con el aprendizaje y la inquietud. Un viaje al que nos subimos con un destino; un destino al que llegamos; otro viaje que emprendemos; otro destino. Porque creemos que de eso se trata la búsqueda: de un camino lleno de vacilaciones que conduzca siempre a otro lugar. El viaje está claro: una revista de arte joven que hable de y para el arte. En el transcurso de todo el itinerario vamos a querer dar un paso más firme y más indeleble que el anterior. Somos hijos de un tiempo que no espera y eso nos mantiene alertas. Alguna vez Marcel Proust dijo: “El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos caminos sino en tener nuevos ojos”.
Esos nuevos ojos de los que habla el incansable viajante son simplemente nuevas formas de mirar lo que todo el tiempo sucede. Y a su vez, ese ‘todo el tiempo’ lo vamos construyendo con lo que hacemos. Porque renovarnos significa eso, buscar, abrirnos a nuevas posibilidades, encontrar y que nos encuentren. Eso es vital para R.Mutt; ir a su encuentro y que nos encuentren. Esos nuevos ojos por los que miramos cada obra y leemos cada página, los ganamos con trabajo, con lecturas, con esfuerzo, con colaboraciones, sobre todo con las colaboraciones de todos aquellos que nos dan una mano día tras día.
Pero además, y sobre todo, esto que emprendimos es siempre un viaje iniciático. Es una historia, una experiencia, un transcurrir en el que un grupo de personas buscan salirse de un lugar en el que se sienten molestos, en condiciones adversas; un viaje para generar un cambio. En fin, nos preocupa algo que está pasando y esta es nuestra forma de expresarlo, este es nuestro intento por cambiarlo.
Todo lo cual nos llevó a plantearnos una serie de cambios que esperamos puedan disfrutar. En esta nueva edición de R.Mutt, nos volvimos a proponer la difícil tarea de elegir una obra de arte de nuestra galería virtual; además nos dimos el lujo de charlar con el gran artista Mariano Sapia que nos hizo viajar con la cortesía de los reyes; también le hicimos una entrevista a una artista joven que lleva su pintura por un viaje de iniciación; asimismo les brindamos la reseña del primer libro de un joven escritor en el cual propone un personaje que emprende un viaje incierto para escapar, quizás, de la incertidumbre, una incertidumbre generacional. Y lo de siempre, música, teatro, cine, pintura. Los boletos para el viaje ya son suyos.

R.Mutt

Movimientos Dadaismo, SEPTIEMBRE 2009

2009-09-03T12:02:00.000-07:00

MOVIMIENTOS .MUTT: “DADAÍSMO”

Imagen de la primer feria Dadá

El movimiento Dadaísta surge en Suiza en el año 1916, como necesidad de un grupo de jóvenes inconformistas de romper con los códigos y sistemas establecidos en la época, tanto en el arte como en la sociedad misma.
Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción; defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Están en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal.
La provocación aparece constantemente dentro del movimiento; utilizando en sus obras materiales de desecho y objetos cotidianos. Se lo consideró como un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la poesía y la literatura.

El dadaísmo dejó una rica y diversa producción artística en todo el mundo, debido a la creación de Dada, una revista que difundió sus pensamientos por New York, París, Berlín, entre otras ciudades. Pero más allá de eso debemos valorar del dadaísmo sus ideas. Estas lograron sacar al arte de los museos y destruir estructuras que luego incentivarían a nuevas exploraciones dentro del arte y al surgimiento del surrealismo.

Algunos Dadaístas(para ver):
-Hugo Ball
-Tristan Tzara
-Jean Arp
-Raoul Hausmann
-Kurt Schwitters
-Marcel Duchamp
-Max Ernsrt
-Francis Picabia
-Man Ray
-Hannah Hoch
-George Grosz
-Johannes Baader

Para hacer un poema dadaísta(Tristan Tzara)
Coja un periódico.
Coja unas tijeras.
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que cuenta darle a su poema.
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el articulo y metalas en una bolsa.
Agítela suavemente.
Ahora saque cada recorte uno tras otro.
Copie concienzudamente en el orden en hayan salido de la bolsa.
El poema se parecerá a usted.
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

por Laura Nató

Centro Cultural Rojas . Septiembre 2009

2009-09-03T11:56:00.000-07:00

Centro Cultural Rojas

Te presentamos la propuesta del uno de los centros culturales mas completos; dependiente de la UBA

El Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Corrientes 2038) es un espacio dependiente de la UBA que promueve la reflexión y la formación cultural. Allí ofrecen, en lo relacionado a las distintas vertientes artísticas, una amplia gama de posibilidades tanto en lo referido a espectáculos, eventos y exposiciones, como a talleres y cursos para realizar.
Las propuestas ofrecidas por el Rojas se dividen según el área, o aspecto artístico a plantear:
Artes visuales, propone talleres y exposiciones.
Fotogalería, que por un lado cuenta con talleres que impulsan la experimentación y técnica del estudiante apuntada a la fotografía artística y documental y por otro lado cuenta con la galería donde exponen fotógrafos consagrados y emergentes.
Cine y video, donde ofrecen programaciones temáticas las cuales complementan con otras conferencias y eventos que atraviesen los mismos conceptos. Focalizan también en trabajos de cine argentino y experimental que debido a sus formatos o características pierden interés comercial, aunque no cultural y conceptual.
Circo, murga y carnaval, este espacio contribuye con la difusión de otras ramas artísticas que por sus particularidades multidisciplinarias no son situadas o contempladas con otras manifestaciones artísticas. Este espacio es generador de una publicación gratuita denominada El Corsito que trata temas relacionados con el carnaval.
Comunicación es un área de taller que consiste por un lado el dar al estudiante las herramientas técnicas periodísticas, pero más que nada enseña a aprender ofreciendo los distintos puntos de vista y prestando igual interés a la prensa amarillista, como a la política y a la de entretenimiento, incentivando el sacar las propias conclusiones de por qué los medios son como son en Argentina, qué buscan, qué inculcan y qué respuesta reciben.
Coro y orquesta, da formación a partir del curso de música coral e instrumental. De allí surgen Coro, Comerata, conjuntos de cámara y solistas que realizan presentaciones en Capital y el interior. Se efectúa también en el Centro todos los veranos el Festival de Verano de Ópera.
Letras es un campo dinámico del Centro Cultural en que se ejecutan encuentros de charlas, debate, presentaciones de libros, homenajes y lecturas de poesía, aunque no es sólo un espacio dedicado únicamente a la literatura sino más bien al intercambio de ideas y a la afinación de la crítica sobre otros temas relacionados a las sociedad, costumbres y tabúes.
El campo que el Centro Cultural le da a la música es variado y recibe mucha importancia ya que la misma es entendida como un modo de dar fuerza y sentimiento a lo que el hombre desea comunicar. Se escarba en el por las distintas posibilidades proponiendo la experimentación y la búsqueda de nuevos caminos. Teatro, propone espectáculos y espacios de charla.

Centro Cultural Ricardo Rojas

Corrientes 2038 4954-5521 / 4954-5523

http://www.rojas.uba.arc/

Cómo llegar: colectivos 5, 6, 7, 12, 23, 37, 50, 60, 102, 105, 115, 116, 146. Subte B.

Agenda Octubre

2009-09-03T11:33:00.000-07:00

clic para ampliar

volver

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, David Bowie. Septiembre 2009

2009-09-03T11:32:00.000-07:00

David Bowie

The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars,

(en español, el ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte), es sin duda el disco en el cual David Bowie demuestra ser uno de los artistas más originales y sin límites de la música.
Ziggy es el personaje que Bowie encarna, un extraterrestre bisexual de aspecto andrógino algo así como un héroe del rock que viene a salvar el mundo.
Acompañado por las arañas de Marte, Ziggy cuenta su historia musical, que va desde su aterrizaje en Londres, lugar donde anuncia que a la Tierra solo le quedan 5 años de vida, hasta su muerte en manos de sus fans.
Es que este extraterrestre además de querer salvar al mundo se convierte en un ídolo del pop, y como todo gran ídolo de la música pasa por un ascenso y finalmente una abrupta caída.
Teatro, delirio, maquillaje, glamour, heroísmo. ¿Que más se puede esperar de un disco?, y ni imaginar en vivo a este personaje y sus arañas dando vida a estas historias.
Una de las canciones más importantes es Starman la cual fue el primer sencillo del disco.

Ficha Técnica:
Artista: David Bowie
Titulo:The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars
Año de lanzamiento:1972
Tracks: 11

Patricia Miani Septiembre 2009

2009-09-03T10:57:00.000-07:00

La expansión de las libertades pictóricas

de Patricia Miani

La naturaleza en su estado más puro de armonía y belleza muestra sus paisajes de la mano de Patricia Miani. El color y la textura irrumpen en un imaginario que se cuenta sus propios cuentos de hadas.

Los colores toman forma, se elevan, armonizan con entornos diferentes, viajan, flotan en aguas extranjeras, se hunden. La pintura expande los límites propuestos. Las manos pensantes de Patricia Miani (Bs. As., 1980) se encargan de inventarle estas libertades.

La obra de Miani propone una celebración seductora hacia lo sublime, una valoración de

l trabajo combinatorio de los colores, la superposición, la interacción con el lienzo pero también con el entorno. Su discurso se mueve entre el ensamblaje de piezas y escenarios, y el color.

Con un gran conocimiento de su obra, el artista plástico Pablo Siquier expresó que al observar sus trabajos “es posible seguir a la artista en la acción de depositar y manipular la pintura sobre la superficie, y en las sutiles transformaciones que los colores experimentan al combinarse. Miani habla siempre de la naturaleza como inspiración de su trabajo. Y eso son sus pinturas, sin duda, y son paisajes también. Pero son paisajes de ensueño. De una latente narrativa.

“Tengo para mí que las pinturas de Miani, son los estados emocionales de historias que nunca serán contadas. El paisaje de fondo de cuentos de hadas, despojados de toda anécdota”.

La propia Miani confiesa una atracción instintiva que trae desde su niñez por todo lo relacionado con este imaginario: “Desde muy chica me atrajo la pintura. Dibujaba, quizás en ese momento no sabía lo que dibujaba pero me llamó siempre la atención el color. Usaba muchos colores. Siempre me emocionó la naturaleza. Soy de Quilmes y vivía en una casa con mucho parque. También fui muchos años seguidos de vacaciones a Córdoba, a la Cumbrecita. Creo que todo eso me influenció. Además siempre me atrajeron los cuentos de hadas. Mis cuadros -profundiza- son como fantasías que yo proyecto, que a su vez viene de mi infancia. Reflejan los que soy, mis fantasías, mis deseos, mi mundo imaginario.” En el despliegue de este mundo encontró una herramienta fiel para darles unidad y sentido: “

Lo que me gusta de la pintura, y lo que más valoro es lo espontánea que es, y también, es instantánea y es intuitiva. Esto no lo encuentro en otras disciplinas”.

Un recorrido por la producción de esta joven gran artista propone varios planos de lectura, pero siempre una misma inquietud que la expresa cuando habla de su intervención en Proyecto´ace : “Nadie encuentra lo que no está buscando, todos salimos a buscar algo, quizás sin saber que la vida es una exploración continua, una aventura eterna. La vida en sí misma es un enigma, intensa, apasionada, que sucede peligrosamente a cada instante. Esa búsqueda por descubrirla se transforma en un viaje hacia lo desconocido e impredecible. Y sólo cuando busquemos la verdad en nosotros mismos llegaremos realmente a verla y sentirla en su totalidad”La naturaleza es un tema recurrente sobre el que Miani vuelve en cada una de sus pinceladas, “es una fuente de inspiración -comenta-, muchas imágenes evocan una síntesis de la naturaleza, de manera abstracta, claro”.

En su manifiesto ella propone una reivindicación de la “búsqueda de la armonía y la belleza.” Esa búsqueda no la somete solo a un trabajo de caballete, sino que la incentiva a viajar por el mundo dejando su marca original sobre otros territorios. Así es que viajó llevando una intervención mural de sitio específico a Las Palmas de Gran Canaria, España, para seguir por Eretria, Grecia donde realizó su primera residencia artística internacional y luego a Estados Unidos seleccionada para participar en la exposición internacional itinerante de libros de artista en pequeño formato (MIMB).

Sobre aquella experiencia en Grecia cuenta: “Fue una convocatoria a la cual me presenté con todas la ganas, pero realmente no pensé en salir seleccionada.

El proyecto se desarrollaba en un hotel con salida al mar y yo venía de una serie de pinturas que a todo el mundo le representaba el mar, ostras. Entonces se me ocurrió poner los elementos tridimensionales, que estaban sobre el lienzo, dentro de burbujas de acrílico. Me pareció que el lugar era propicio para eso.” Los materiales se sujetaban a lo que podía transportar con facilidad en un avión, pinceles, papel, pinturas, silicona y burbujas de acrílico. De todos modos eso no fue impedimento alguno para que se desarrollo su inventiva. Pudo llevar adelante su proyecto “elaborando y armando las pequeñas piezas para colocar dentro de las burbujas. A orillas del Mar Egeo comenzaron las primeras intervenciones soltando las burbujas en el mar. Se desplazaban por la corriente marina.

La observación del proceso devino en pintar el exterior de todas las burbujas y de algunos de los elementos que interactúan con ellas.” Así cuenta ella Sub-acuático, la intervención efímera que quedó registrada en tomas fotográficas y en videos que en la actualidad está editando. “Eso pasa con las obras efímeras -agrega-, lo que queda es el registro”.

De todo esto resalta que “el hecho de hacer residencias inserta en otra cultura y con esa posibilidad de concentrarte solo en el trabajo es una experiencia muy buena. En nuestro país las residencias para artistas no están difundidas, solo son llevadas a cabo por el Proyecto´ace. Afuera es muy común y eso es muy interesante. Nacen cosas diferentes, porque estás enfocado en eso, solo en eso, estás para eso al ciento por ciento”.

Propuesta a continuar con esa búsqueda conceptual, Miani con cada trazo expande su horizonte: “Siempre me pasa que si hago dos cosas parecidas me aburro. Por eso todas las intervenciones murales, las hice tres veces nadas más. Porque sino siento que es más de lo mismo, como que se repite, y eso es lo que no me gusta ver. Yo misma me aburro.

En este sentido se pueden hacer más cosas, avanzar.” La elección de este camino parece estar dando sus recompensas a nivel personal pero también en lo referido a su obra. Al respecto ella esgrime: “Me siento en un momento en el que estoy encontrando mi propio lenguaje y en el comienzo de un montón de cosas. La búsqueda y la experimentación me llevaron a encontrar ciertos elementos que me definen o definen mí lenguaje artístico. A partir de acá quiero hallar mi perfil, no sé si definitivo, pero posicionarme. Esta búsqueda para mi es fundamental. Creo que nunca se puede decir ‘llegué hasta acá y acá estoy, me quedo’”.

La génesis de su último trabajo, “Sumergida”, que es a su vez la tesis final de la Licenciatura en Artes Visuales con orientación en Pintura que realizó en el Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), representa esa búsqueda incansable: “Sobre una pared determinada, la pintura parece huir del los lugares que le son asignados y se expande en un movimiento de transformación constante. Esto me sorprende, es como una paralización del tiempo, detener la escena cotidiana para que surjan nuevas imágenes”.

Como en un cuento que bien podría haber escrito Julio Cortázar, esta obra produjo algunos cambios en la fisonomía de su casa-taller. Así lo describe: “Ahora no hay ni mesa, porque cada vez la obra se fue haciendo más grande y fui sacando las sillas, la tele. Y después cuando se empezó a ir tanto para los costados tuve que sacar la mesa.” Más allá de la anécdota continua: “La pintura expandida da una posibilidad de llevarte a cualquier lado. Eso es lo que me interesa. Es un concepto abierto que a su vez se relaciona con otras disciplinas. En un punto es inagotable”.

Pero todo esto lo sostiene bajo un pensamiento profundo y un análisis de la realidad del arte. Comenta: “El arte transmite algo, y ese transmitir es mucha responsabilidad. Porque uno puede transmitir cosas buenas o cosas malas, algo hermoso o algo terrible y doloroso. Entonces creo que la responsabilidad del artista está en ese qué y cómo se transmite. Cada artista a través de su lenguaje y su concepto debe hacer lo más intrínseco y lo más puro, lo que más refleje su estado para así corresponderse. Ni mentirse ni engañarse ni transmitir algo que no es. Eso es lo peligroso porque ahí aparece la responsabilidad. También es como contradictorio, porque yo soy responsable, de repente, de lo que transmito pero me tengo que hacer cargo. No es que uno puede hacer cualquier cosa en cualquier momento en cualquier ámbito cultural. Hay que se responsable.” dice Patricia Miani mientras su pintura avanza y emprende un viaje de trascendencia para surcar los límites en lo que se mueve un arte actual que, muchas veces, no encuentra consistencia.

http://www.patriciamiani.com

¿Qué recomienda Patricia?

Pablo Siquier, pintor argentino
Jorge De la Vega, pintor argentino
Gerhard Richter, artista alemán
Paco Barragán, curador español
Charles Dickens, novelista inglés

Literatura Septiembre Frío en Alaska

2009-09-02T16:04:00.000-07:00

“A medida que se aleja del asfalto pierde las referencias”* de Matías Capelli

La búsqueda que emprende Matías Capelli con los cuatro relatos de su primer libro, “Frío en Alaska”, publicado por la editorial Eterna Cadencia, prevalece hasta la última página. Parte y finaliza, sin ser esto un círculo que se cierra sino que se reinventa, bajo el precepto kafkiano que anuncia la existencia de “una meta, pero no un camino; la que llamamos camino es vacilación.”

Cada relato conforma una unidad en sí mismo pero a su vez comparte con los demás una serie de características en común.Lekman, el personaje principal, es el lazo más evidente que los une. Nacido en Noruega pero traído a la Argentina en su niñez, muestra cierta ambigüedad en cada una de las acciones que realiza. Esta ambigüedad se refuerza en algunos de los relatos en los que queda velado su nombre; solo al avanzar en la lectura se puede intuir alguna marca personal. Lekman es un pintor joven que atraviesa un momento de inacción con el arte pero también con el entorno. Por momentos es arrastrado por el curso de los acontecimientos y por momentos se inmoviliza frente a los sucesos que, en algún punto, produce. En este sentido, Capelli introduce una relectura sobre el perfil del artista que la literatura viene reproduciendo en serie desde comienzos del siglo XXI.
El primer relato, y su título, “Principio de incertidumbre”, conforman el argumento principal del libro y también la característica predominante del protagonista. La incertidumbre es el campo de batalla al que sale Lekman cada vez que se brinda a la tarea de ordenar y clasificar los tickets que Fernanda, su ex novia, le envía desde Inglaterra para que él presente ante las autoridades que la becaron.

"A la mañana Fernanda primero toma un café doble o un jugo de naranja en uno de los cuatro locales de Starbucks tiene en Leeds.”
de Principio de incertidumbre

Con esta supuesta información que recopila de los recibos, empieza a reconstruir la vida de Fernanda. De este modo él cree allanar la distancia que los separa y saber cada uno de los movimientos que ella realiza: viajes, compras, desayunos, entretenimientos. La incertidumbre vuelve sobre los vacilantes pasos de Lekman cuando ella manifiesta que los tickets son ajenos y solo los junta para cubrir el dinero que gasta, y poder cobrar la beca. Al enfrentarse con esto, toda reconstrucción de la vida cotidiana de Fernanda queda sin efecto. Así es que ante la búsqueda de mayor cantidad de certezas con respecto a sus posiciones, sólo logra conocer un menor número de movimientos.

Aquí, también entra en juego un proceso de desmitificación y contemporización de los sentimientos. El consumo comienza a revelarse personaje de un drama amoroso que se moderniza y pierde sus atribuciones históricas.

"Por teléfono habla igual. Dos semanas atrás te llamó, así, de la nada, y hoy en el día de la madre y vas a volver a verla después de casi dos años.”
de Sólo estás sangrando

En “Sólo estás sangrando”, segundo relato, se le complementa a la caracterización del personaje un ámbito desolado de un Puerto Madero nocturno. Esta desolación ocurre también dentro del departamento de su madre con la cual tiene un trato distante y culposo, sentimientos vedados por una latente indiferencia hacia todos en aquel lugar.
“L” y “Frío en Alaska”, son relatos que, afianzados sobre el absurdo, oscilan entre la incertidumbre y la incomunicación, planteadas en los primeros dos relatos, como así también entre el sueño y la vigilia. Estados que se mezclan y confunden, creando de este modo una atmósfera imperturbable que se sostiene hasta el final.

"Hace menos de una hora dormía en su cama mientras la mujer que lleva más de un año ocupando el otro lado se levantaba a vomitar.” de L

Su cuerpo parece dirigirse a la deriva, no responderle, ser atraído por acciones totalmente externas. Todo se torna anónimo y nada parece trascender al mero hecho de estar sucediendo.
En estos relatos el viaje y el camino son elementos que se mueven en el terreno del inconsciente. Lekman camina sin rumbo por una ciudad que no le pertenece; realiza un viaje a Alaska -“que no es Alaska, en América del Norte, sino que es como un pueblo que no se termina de saber dónde queda”- en el que se despliega un imaginario de ensueño y realidad. Fuga de una realidad que no comprende, pero también fuga hacía un lugar indeterminado.
Apartado de una literatura insustancial, que parece haber marcado el camino de una buena parte de la literatura argentina contemporánea, Capelli acciona los mecanismo de una serie de problemáticas individuales creándole un marco urbano actual. Frío en Alaska es un libro que escribe incertidumbres mediante una prosa sórdida y precisa

*del último relato Frío en Alaska

Matías Capelli nació en Buenos Aires en 1982. Es editor de la sección sobre libros y arte de la revista Los Inrockuptibles, edición argentina de la original francesa. Realizó el corto "El Antofagasteño" (2005).

MATERIAL EXTRA:

De http://www.cuentomilibro.com/

por Rodrigo Ilescas

Griselda García Literatura

2009-09-01T07:42:00.000-07:00

Griselda García nació en Buenos Aires en 1979.

Publicó los libros de poesía Alucinaciones en la alfalfa (2000), El arte de caer (Alicia Gallegos Editora, 2001), La ruta de las arañas (Ediciones del Dock, 2005) y El ojo del que mira (La Carta de Oliver, 2009).
Co-dirigió la editorial de poesía La Carta de Oliver.
Fue secretaria de redacción de la revista de poesía La Guacha.
En la actualidad se dedica al dictado de talleres literarios de escritura creativa, narrativa y poesía. En el taller de clínica de obra ayuda a otros escritores a armar y ordenar el material para publicar sus libros.

Serrallo

Otros ya idos
me coronaron reina:
final de un linaje de crueldad.

Audaces, los que quedan.

Acérquense.
Anímense a ser vistos así.

Voy a crear la palabra perfecta
voy a decir sus nombres
hoy nacen a mis brazos.

Engendraremos
un ejército voraz.
Vamos a arder y brillar.

Involución

Ahora que tu torpeza
ha disparado hijos
en útero joven
del rencor de la primigesta cuidate
rogá que en cloacas se pierda
el nonato en alta noche.

Si no hay con qué y prende
-pues toda carne tiende a la vida-
cuando crezca y abunde
en gestos estúpidos que festejarás
llegado un día negarás tu prole
y otras vaginas correrás a buscar
no flojas ni anchas de parto.

Con el tiempo te derramás
en obvias honduras nuevas.
Cada espasmo seminal tuyo
nos acerca un paso al mono.

Dijo la loba

Vos, lobito mío,
sos una de las crías
que no alcancé a devorar
(¿me sacaste el hambre
o llegaste cuando estaba saciada?).

Ya sabés erizar el pelaje
más tarde te enseñaré
a orientarte en el bosque
a esperar el momento
de distracción de la presa.

Vos, lobito mío,
disfrutá las caricias
aprendé a ignorar las uñas.

Ahora te nutro:
tu avidez rodea el pezón cargado
te hartás de leche dulce.
Muerta también seré tu alimento.

Seremos, en el final
carne vuelta a la carne.

de El ojo del que mira (Ediciones La Carta de Oliver, 2009)

Concurso Fotomundo Autoretrato 2009

2009-08-17T14:09:00.000-07:00

Convocatoria 2009

El Autorretrato y la Autorrepresentación

El autorretrato es definido como “el Retrato de una persona hecho por ella misma” y, por lo tanto, es un subgénero de las artes visuales. Comenzó a ser desarrollado a partir del Renacimiento, pero ha sido con la fotografía que alcanzó su mayor difusión.
En la fotografía, la cámara sustituye al espejo del pintor en sus deseos de retratarse, pero no lo elude, ya que muchos autorretratos son la imagen que devuelve un espejo, frente al cual se asumen gestos, poses, vestimentas y el ambiente, que otorgan una identidad y donde el parecido es esencial. Puede buscarse el embellecimiento o la idealización, así como marcarse aspectos esenciales del rostro y el cuerpo, o disimularlos.
Un concepto más amplio es el de la autorrepresentación, donde por sobre el aspecto físico y entorno social que la imagen puede llegar a mostrar se intenta además hacer una descripción en otro nivel, tanto intelectual como moral. Es ciertamente algo más complejo, ya que supone que el fotógrafo se interpreta y contextualiza, algunas veces al extremo de desaparecer su propia presencia física para construir una metáfora visual.
Caroline Bernardet señala que “Pintar (fotografiar) su propio rostro así como escribir una autobiografía es ya un acto de confesión por él que el artista revela voluntariamente la parte más íntima de su mundo y de su ser… El autorretrato es un modo de experimentar la imagen del rostro humano sin que haya un modelo exterior, sin que nadie mande nada”.
Se trata, al final de cuentas, de ir al encuentro de la propia imagen, lo cual es todo un desafío.

Presentación
Las fotos deben ser impresiones en papel color o blanco y negro de un formato máximo 20 x 25 cm, o archivos digitales en .jpg de máxima calidad o .tiff con una resolución de 250 a 300 ppi, grabados en CD y acompañados con una copia índice en papel, además de un texto con los datos del autor y de las fotos (lugar de realización, fecha, referencia, etc.).

El plazo vence el 20 de Octubre y cada autor puede enviar las fotos que considere a:

Fotomundo
Convocatoria 2009
Maipu 671 Piso 5
1006-Buenos Aires
República Argentina

Los autores conservan todos sus derechos de acuerdo a la Ley de Propiedad Intelectual 11.723. Las copias deben ser de prensa dado que no serán devueltas.

Una selección de las fotos será publicada en la edición de diciembre de FOTOMUNDO.

Para consultas pueden escribirnos a fotomundo@fotomundo.com poniendo “Convocatoria 09” en el Asunto.

Proyectarte Nueva convocatoria de becas artisticas para jovenes

2009-08-17T12:16:00.000-07:00

ProyectArte se está preparando para el próximo lanzamiento de la convocatoria de sus Becas Artísticas para Jóvenes. Las mismas consisten en un programa de formación en artes plásticas para jóvenes de entre 15 y 18 años a desarrollarse entre marzo de 2010 y agosto de 2011 (18 meses), dictado por destacados artistas plásticos argentinos: Horacio D´Alessandro, Karina Peisajovich, Ernesto Ballesteros, y Mónica Van Asperen, entre otros.

Requisitos:
Tener entre 15 y 18 años al 1 de Marzo de 2010
Presentar entre 5 y 10 obras propias en cualquier soporte, técnica, medidas, etc.
Consignar al dorso de cada obra Nombre, Apellido y datos de contacto
No es excluyente poseer ningún tipo de formación previa
Presentar el formulario de solicitud completo y las obras entre el 01 y el 30 de Septiembre de 2009

Bajá el formulario de solicitud, bases y condiciones en http://www.proyectarte.org/formulario-beca.pdf

Obtené más información en www.proyectarte.org - info@proyectarte.org o telefónicamente al (011) 4899-0444

LITERATURA

2009-08-17T09:01:00.000-07:00

La poesía de Karina Sacerdote. Octubre 2009
Frío en Alaska, Matías Capelli. Septiembre 2009
Bajo este sol tremendo, Carlos Busqued. Agosto 2009
Pájaros en la boca, Samanta Schweblin. Julio 2009

TEATRO

2009-08-17T06:08:00.000-07:00

Pink Freud! Mi mente me odia!. Octubre 2009
Este loco burdel. Agosto 2009
Agosto, Condado Osage. Julio 2009

OBRA DEL MES

2009-08-17T06:07:00.000-07:00

OCTUBRE 2009, Florencia del Gesso
SEPTIEMBRE 2009, Kevin Fingier
AGOSTO 2009, Gonzalo Maciel

NOTICAS Y NOVEDADES

2009-08-17T06:02:00.000-07:00

Bajà el catalogo de ARTEBA 2010. Junio 2010
San Juan: Inauguracion Muestra "Cobre". Junio 2010
10° Año de Gallery Nights. Junio 2010
Pink Freud! Mi mente me odia!. Octubre 2009
FIBA. Octubre 2009
Curriculum Cero. Octubre 2009
Buenos Aires Pop. Octubre 2009
Tango de Buenos Aires. Septiembre 2009
La guía "T" de la Cultura. (Mapa de las artes). Septiembre 2009
11ª Feria del libro independiente Bs. As. Agosto 2009
1º Festival Polo Circo 2009. Agosto 2009.

MUSICA

2009-08-17T05:59:00.000-07:00

Fantasmagoria. Octubre 2009
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, David Bowie. Septiembre 2009
Tanx, T-Rex. Agosto 2009
Boris Vian, Andy Chango. Julio 2009

MOVIMIENTOS ARTISTICOS

2009-08-17T05:55:00.000-07:00

Pop Art. Octubre 2009
Dadaísmo. Septiembre 2009
Expresionismo. Agosto 2009
Surrealismo. Julio 2009

MANOS A LA OBRA

2009-08-17T05:51:00.000-07:00

Tempera de Huevo. Octubre 2009
Masa de Arena. Septiembre 2009.
Tinta de Sello. Agosto 2009.
Pintura Asfaltica. Julio 2009.

Proyecto Ace 26/08/09

2009-08-16T17:04:00.000-07:00

http://www.proyectoace.com.ar/home.htm

CENTRO DE INVESTIGACIONES ARTÍSTICAS Programa de Cursos

2009-08-15T06:09:00.000-07:00

CENTRO DE INVESTIGACIONES ARTÍSTICAS
Programa de cursos

Inscripciones abiertas
cursos@ciacentro.org

Roberto Amigo - ANTE LA OBRA
(VER MÁS)
José Fernández Vega - SALA DE LECTURA TEÓRICA
Lunes 24/8, Jueves 27/8, Lunes 31/8, Jueves 3/9 - 18:30 a 20 hs.
(VER MÁS)

Alejandro Ros - DISEÑO. TAPAS PARA DIVERSOS RELLENOS
Lunes 14/9, Lunes 21/9, Lunes 28/9 - 19 hs.
(VER MÁS)

Ana Longoni - POÉTICAS/POLÍTICAS
Miércoles 7/10, 14/10, 21/10, 28/10 - 15 a 17hs.
(VER MÁS)

María Moreno - LA CRÓNICA EN VIVO
(VER MÁS)

Alan Courtis - TALLER DE EXPLORACIÓN MUSICAL
Miércoles 9/9, Miércoles 16/9, Miércoles 23/9, Miércoles 30/9 - 14 a 17 hs.
(VER MÁS)

Alan Courtis - TALLER DE GRABACIONES DE CAMPO
Miércoles 4/11, Miércoles 11/11, Miércoles 18/11, Miércoles 25/11 - 14 a 17 hs.
(VER MÁS)

Rosario Bléfari - UNA TESIS EN FORMA DE CANCIONES
Martes 20/10; Jueves 22/10; Martes 27/10; Jueves 29/10;
Martes 03/11; Jueves 05/11; Martes 10/11; Jueves 12/11 - 14 a 16 hs.
(VER MÁS)

Ernesto Ballesteros - DIBUJO, OBSERVACIÓN DE LO INVISIBLE Y LA EXPANSIÓN DEL UNIVERSO
(VER MÁS)

Tulio de Sagastizábal - UN TALLER DE VERANO
(VER MÁS)

Syd Krochmalny - LECTURAS SOBRE ESTUDIOS VISUALES
Lunes 5/10, Lunes 12/10, Lunes 19/10, Lunes 26/10 y Lunes 2/11 - 19 a 22 hs.
(VER MÁS)

Eric Londaits - HERRAMIENTAS DIGITALES PARA EL TRABAJO COLABORATIVO: MUCHOS MOUSE EN UN PLATO
Jueves 8/10, Jueves 15/10, Jueves 22/10, Jueves 29/10 - 14 a 17 hs.
(VER MÁS)

Nuevos docentes, temáticas y formatos, así como los aranceles, se irán incorporando de modo permanente.
Informes: cursos@ciacentro.org

HISTORIETA

2009-08-14T14:29:00.000-07:00

Primagayra. Octubre 2009
Inspiracion por Horsy. Septiembre 2009
La vaca Mutt por TBR. Agosto 2009

FOTOGRAFIA

2009-08-14T14:27:00.000-07:00

Entrevista a Florencia Montes, Julio 2009

ESPACIOS CULTURALES

2009-08-14T14:24:00.000-07:00

MALBA, Octubre 2009
Centro Cultural Rojas, Septiembre 2009
Centro Cultural Recoleta, Agosto 2009

Florencia Montes Expo!

2009-08-04T21:14:00.000-07:00

florenciamontes.blogspot.com

Exposición de Fotografías.
Inauguración: Domingo 23 de agosto.
Hasta: el 1 de septiembre. Horarios y días comunes: Lunes a Viernes de 12 a 15 hs, Miércoles a Domingo de 20 a 02 hs

Cine

2009-08-04T15:59:00.000-07:00

Cortos.Mutt
Mañana vemos. Octubre 2009
Momentos de Estacion. Septiembre 2009
ABCD. Agosto 2009

Recomendados.Mutt
SoloCortos.com. Octubre 2009
Cortometrajes Online. Octubre 2009
elReverso, guía de cine. Octubre 2009
Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos. Septiembre 2009
El Gran Pez. Agosto 2009
Blow Up. Septiembre 2009

Anahí Eleuterio Fotografía

2009-08-04T10:18:00.000-07:00

Anahí Eleuterio, Bs As.
http://www.flickr.com/photos/mascarillaytrebol/
http://rompermacetas.blogspot.com/

volver

Patricia Miani Pintura

2009-08-04T10:02:00.000-07:00

Patricia Miani, 1980. Bs. As.

(Leer entrevista R.Mutt a Patricia clic aquí)
http://www.patriciamiani.com

Volver

Matias Otamendi Arte Plástico

2009-08-04T09:49:00.000-07:00

Matias Otamendi, Bs. As.
http://www.matiasboceta.blogspot.com/

Volver

ENTREVISTAS

2009-08-04T08:51:00.000-07:00

Roberto Scafidi. Octubre 2009
Andrés Giles. Octubre 2009
Patricia Miani. Septiembre 2009
Mariano Sapia. Septiembre 2009
Eduardo Gualdoni. Agosto 2009
Matías Otamend. Agosto 2009
Florencia Montes. Julio 2009

Volver

Humor por TBR: "La vaca Mutt"

2009-08-03T11:31:00.000-07:00

Clic para agrandar

volver

Manos a la obra: 2 Tinta de sello

2009-08-03T11:26:00.000-07:00

clic para agrandar, luego clic con el boton derecho "guardar imagen como"

Por Laura Verónica Nató

volver

Movimientos Artisticos: Expresionismo

2009-08-03T11:19:00.000-07:00

El EXPRESIONISMO

El movimiento expresionista surge en 1905 como reacción y respuesta al impresionismo (corriente anterior donde prevalecía la luz sobre la forma). El nuevo movimiento proponía la desvinculación de los principios tradicionales de la definición formal y usos del color, proporción, belleza y perspectiva. Contemporáneo a el Fauvismo y al Cubismo, también movimientos rupturistas y experimentales de principio de siglo XX, el expresionismo no es solo un movimiento, sino una característica artística que se puede ver en obras de diversos artistas por fuera de época, lugar y cultura de la escuela propiamente dicha. Es la actitud de deformar la realidad.

Se desarrolló en distintos países de Europa, el más destacado fue Alemania, siendo la “sede” del movimiento, donde nacieron los dos grupos expresionistas más importantes: El Puente (Die Brücke) en la ciudad de Dresde, con cuatro jóvenes estudiantes de arquitectura como miembros fundadores con la filosofía de Niestzsche como referente y un fuerte sentimiento nacionalista que se acentuó luego de la primera guerra mundial. El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) que tuvo lugar años después en la ciudad de Munich y conto con Kandinsky y Marc como lideres que poseían una formación más sólida. La tendencia expresionista traspasó las fronteras alemanas y sus producciones estuvieron presentes en distintos países como Francia y Austria con Oscar Kokoschka y Egon Schiele, dos artistas fundamentales dentro de la historia del arte y del expresionismo.

Esta escuela tuvo una rica producción cinematográfica, literaria, pictórica y musical. Dejó próceres para admirar y cantarles por su heroica actuación dentro de la pintura como Ernst Ludwig Kircher, Erich Heckel, Emil Nolde, Wassil Kandinsky, Franz Marc, Egon Shiele, entre otros.

por Laura Nató

Espacios Culturales.Mutt: Centro Cultural Recoleta

2009-08-03T11:06:00.000-07:00

Centro Cultural Recoleta

Ubicado en un punto estratégico de la ciudad. Un Espacio que no solo le da oportunidades a los jovenes.

La historia del Centro Cultural se remonta al SXVII, cuando el Solar fue donado por los frailes Franciscanos Recoletos en 1716, lo que lo coloca entre las construcciones más antiguas de Buenos Aires. Desde entonces fue pasando por varias remodelaciones y cumpliendo distintas funciones, como escuela de dibujo creada por el General Manuel Belgrano a comienzos del SXIX, en los setentas como el Asilo de Mendigos, luego el Hogar de Ancianos General Viamonte, hasta 1980 en que fue remodelado por los arquitectos Clorindo Testa, Jacques Bedel y Luis Benedit para finalmente ser utilizado como centro cultural.
La institución depende del Ministerio de Cultura de Buenos Aires y se encuentra abierto al público durante toda la semana, de lunes a viernes de 13 a 20 hs y sábados, domingo y feriados de 10 a 21 hs. Dentro del Centro Cultural hay diversos recorridos para hacer: El auditorio “El Aleph” en el que entran hasta 200 personas y donde pasan proyecciones y se realizan recitales, conferencias, espectáculos de teatro, danza y eventos literarios; un microcine donde exponen proyecciones de cine, videos de arte, postulaciones de libros y representaciones teatrales, el anfiteatro “Verano Porteño” en homenaje a Astor Piazzola; posee también 16 salas de exposiciones en la planta baja y 11 en el primer piso, donde exponen artistas a los que se le da la posibilidad de adecuarlas a su obra.
El Centro Cultural Recoleta resulta ser un espacio llamativo para jóvenes artistas o espectadores. Entre las distintas exposiciones, espectáculos y capacitaciones que puedan resultarles atractivas se destacan el Laboratorio de Investigación y Producción Musical (LIPM), un espacio que tiene como objetivo difundir la música contemporánea y su relación directa con la tecnología. Posee instalaciones disponibles para compositores, docentes e investigadores atraídos por las innovaciones musicales y ofrece también talleres, recitales y conferencias. Otro terreno interesante es el Centro de Documentación, Investigación y Publicaciones (CeDIP), es una posibilidad a la capacitación que promueve la reflexión sobre el arte contemporáneo basada en archivos reunidos sobre producciones realizadas en museos y centros culturales locales y extranjeros.
El Centro Cultural Recoleta será siempre una alternativa para el que busque rodearse de gente interesante, en un ambiente agradable y con importantes exhibiciones de arte contemporáneo. Festivales como One Dot Zero y Cultura Emergente funcionan como ejemplo de la importancia de esta institución para la difusión del arte joven.
Es el enfoque experimental y no convencional de muchas de sus actividades, lo que vuelve interesante al Centro Cultural Recoleta una opción para la innovación artística.

clic para ampliar

por Sacha Podhorcer

VOLVER

Literatura: “No sos Bukowski por contar tus borracheras”

2009-08-03T10:59:00.000-07:00

“No sos Bukowski por contar tus borracheras”

Carlos Busqued nació en Presidencia Roque Sáenz Peña, Chaco (Argentina), en 1970 y actualmente vive en Buenos Aires. Produjo los programas de radio Vidas Ejemplares, El otoño en Pekín y Prisionero del Planeta Infierno. Colaboró en la revista El Ojo con Dientes.

Bajo este sol tremendo - Carlos Busqued - Editorial Anagrama - 82 pág. $ 45

"Un profesor de la facultad siempre repetía: ‘La tensión está en los bordes’ ”, se lo escucha contar, y después agrega: “me aburro con las cosas normales". Esto parece haber actuado con firmeza sobre su manera de encarar la literatura.
Mediante una prosa entre cruel y sugestiva, Bajo este sol tremendo, primera novela del escritor Carlos Busqued (Argentina, 1970), que salió finalista del prestigioso premio Herraldes, transita por los bordes un realismo sucio impostado en nuestras tierras. Con una violencia inhumana ejercida por hombres comunes y corrientes compone un relato sobre la desolación, el desamparo y la aridez de las relaciones humanas cuando se siente que todo está perdido y aún se puede perder un poco más.

La contratapa del libro describe una historia de aspecto sencillo: “Cetarti está hundido en la nada. Sin trabajo ni propósito, pasa sus días encerrado viendo la televisión y fumando porros hasta que un desconocido le informa de que su madre y su hermano han sido asesinados a escopetazos. Viaja a Lapachito, el derruido pueblo donde vivía su madre, para hacerse cargo de los cadáveres. Allí, conoce a Duarte, antiguo militar, albacea y amigo del asesino de su madre, y a Danielito. El derrotero de Cetarti incluirá las chapuzas ilegales para cobrar un seguro y la nebulosa complicidad en los oscuros negocios de Duarte.”

Pero nada en esta historia es para desestimar, empezando por el epígrafe del libro. Los dos versos del poema “The Kraken” de Alfred Tennyson (poeta inglés, 1809-1892) son relevantes desde varios puntos de vista: “Entonces, una vez que haya sido visto por los hombres y los ángeles, él se levantará rugiendo y sobre la superficie morirá.”
Los personajes de esta novela parecen no levantarse nunca de aquellas pesadillas que los tumban. Pero también parecen soportarlo todo con una inalterable indiferencia. Parecen plantarse ante el secuestro, la tortura y la muerte con la misma indolencia con que se atraviesa una ruta desértica. Ellos siempre están huyendo.

La crueldad acompaña cada movimiento de los personajes, cada capítulo se vuelve más brutal pero a la vez las respuestas ante los estímulos aumentan en pesadez.
Los animales que atraviesan la novela componen, también, hitos y tejen entramados que se resuelven de formas poco normales. Del mismo modo que los seres humanos, los animales están a merced de la violencia y de un destino desalentador: calamares gigantes que son pescados, elefantes traumatizados por torturas recibidas de cachorros, perros sin control, una lampalagua que se devora a un lechón entero y luego es cercenada por unos hombres del ejercito. La cruel violencia entre los humanos y los animales no es enmascarada.

Carlos Busqued logra una historia cáustica y precisa en la que los sucesos parecen repetirse y son recibidos siempre con una terrible impotencia por parte de todos. No hace análisis ni se detiene a reflexionar. Y, sin embargo, muestra cómo una sociedad puede repetir una violencia vivida en el pasado de forma colectiva y también individual, sobre los demás y también sobre sus propios cuerpos.

¿En qué difiere la tortura ejercida sobre una elefanta de circo, a la que se la sometió a violentas descargas eléctricas con el fin de hacerla bailar, y la crueldad con que una madre induce a su hijo a desenterrar a su hermano muerto? “No pudo evitar un escalofrío cuando leyó pintado en el corazón de lata: ‘Daniel Molina 2-12-1972/10-4-1973’. Miró a su madre. Ella mirada el suelo hundido. –Pobrecito, todos estos años bajo este sol tremendo.”

¿Qué nos recomienda Carlos Busqued?

Charles Bukowski (Escritor EE.UU 1920 - 1994)

J.G. Ballard (Escritor, Inglaterra 1930-2009)

Raymond Carver (Escritor, EE.UU 1938-988)

Nathanael West (Escritor, EE.UU 1903-1940)

Truman Capote (Escritor, EE.UU 1924-1984)

Dennis Cooper (Escritor, EE.UU 1954)

por Rodrigo Illescas

VOLVER

Obra elegida galería R.Mutt: Gonzalo Maciel

2009-08-03T10:35:00.000-07:00

Esta es la obra del mes que elegimos de la galería R.Mutt, que se encuentra en nuestro sitio web http://www.revistamutt.com.ar/ Envianos tu material a revistamutt@gmail.com y forma parte la galería.

Gonzalo Maciel mas info aquí

su boca no empezaba a expresar nada.
me pregunto si habrá querido decirme algo ;
si hubiese hablado
el sonido hubiese sido espantoso
desafinado metódicamente
oxidado hasta el nervio.

Eso no es un hombre, eso no es un hombre. La mujer cayó de rodillas al suelo, el sonido de sus huesos al quebrarse contra el mármol despertó al guardia que dormía en un rincón de la galería de arte. Señora, póngase de pie, por favor. Ella temblaba, se miraba las manos limpias: murmuraba algo que él no pudo entender. Eso no es un hombre, eso no es un hombre.

su ojo devuelve en la mirada el recuerdo de nuestra culpa,
porque es él la imagen de lo que no trasciende,
hijo del primer error.

*Poesía Inspirada en el cuadro
por Santiago Fabrizio.

volver

Ir a galería R.Mutt

Corto Cinematográfico

2009-08-03T10:28:00.000-07:00

CORTO ABCD

Bajo la dirección de Federico Serafin, cuatro típicos personajes de clase media envueltos en la protesta social que vivimos todos los argentinos en el año 2001. Todo gira en torno al conflicto social, político, y a la peculiar forma de protesta “el cacerolazo”. El corto nos muestra como se desmorona la sociedad y el país, visto desde el un punto de vista doméstico. Con muchos detalles escénicos y una puesta muy cuidada. Además ABCD arrasó con premios y menciones de muchísimos concursos, festivales y certámenes de cine, nacionales e internacionales. Con una duración de 11 minutos Federico se las ingenia para mostrar las diferentes caras del conflicto.

Director: Federico Maximiliano Serafín
Fecha de realización: 1/1/2002
Duración: 12:00 Minutos
Productor: K. Majanovsky / Karina Minujin
Protagonistas: Fernando Gonet, Daniel Casablanca, Noemi Ron, Marina Robagliati
Fotografía: Guido Filippi
Edición: Javier Oudri
Sonido: Willy Katabian
Nacionalidad: Argentina

corto power by www.solocortos.com

por Facundo Macchi

VOLVER

Entrevista a Matias Otamendi

2009-08-03T09:51:00.000-07:00

Matías Otamendi:
“Somos esculturas, y la historia nos va moldeando”

Con dibujos que se mueven entre lo agradable, lo placentero y la Belleza, pero que también generan tensión y distancia, Matías Otamendi plantea una mirada particular sobre la realidad. Consciente de su técnica virtuosa intenta profundizar un proceso de búsqueda basado en la experimentación, y en una especie de “inocencia y motivación”.

Como quien se ilusiona en su infancia con ser uno de los superhéroe que ve en los dibujos animados, Matías Otamendi (ilustrador de 27 años) soñaba con trabajar en la industria de animaciones de Disney componiendo alguno de esos personajes, “es por eso que recuerdo comencé a dibujar”, comenta. De su niñez toma como hito “Alicia en el país de las Maravillas” y ya en su adolescencia “El rey león”. Esta inocente, o no tanto, ilusión infantil se va truncando a medida que pasa el tiempo: primero por el cambio que paulatinamente va sufriendo la industria al transformarse en un gran imperio comercial con escasa mano artesanal; y luego por una mala experiencia en Condor Crux -película animada argentina que “pretendió” mezclar animación 2D con 3D- en la que realizaba, en calidad de meritorio, el proceso de entintado “como un esclavo”, dice. Además de observar algunas desatenciones y acciones poco profesionales en el grupo de trabajo. “Ahí dejé de dibujar”, recuerda.

Por momentos sus dibujos recorren caminos diversos yendo desde los bajos fondos del mundo hasta la representación de cotidianeidades con apariencias dulces. Pájaros en la cabeza, transformistas posando sobre fondos sacros, bocetos en construcción interactuando con diferentes realidades, blanco y negro, colores, oscuridad, cuerpos desnudos, son apenas parte del imaginario que se despliega bajo la mano precisa de este gran ilustrador. Matías Otamendi habla con soltura de su obra, de la cual, recibe una devolución recurrente que la describe como “inquietante”.

Otamendi no diferencia su inquietud y su profesionalismo al encarar un dibujo o un cortometraje animado -también es este campo se destaca su arte-. El dibujante, animador y guionista trabaja con ciertas obsesiones, la principal es técnica, pero también agrega: “Me interesa la relación entre individuo y sociedad, para decirlo de algún modo, relación entre la persona y el medio. La trabajo desde lo formal. Hay una frase que alguna vez me dijo una amiga y que tomo porque describe muy bien esto, ella decía ‘somos esculturas, como materia prima, y la historia que cada uno tiene nos va moldeando’. Y me interesa desentrañar cómo sucede eso.”
Todo este camino lo ha llevado a formarse una idea clara sobre su trabajo. “Valoro mucho el proceso de las cosas. El tiempo que me lleva cada laburo. Tengo dibujos –explica- que son hechos en media hora, en diez minutos o en cinco, y dibujos que me pueden llevar dos semanas.

Valoro ese tiempo que pide el dibujo o la animación. Trato de exprimir ese proceso. No me interesa ser mi propio empleado obedeciendo.”
En una clara posición tomada frente al arte parece no querer profundizar el malentendido que está invadiendo el circuito: “La pintura y el dibujo -dice-, hoy por hoy, tiene un valor monetario. Hay algo de elite en el arte, es como una esfera separada, única, donde somos todos sensibles -ironiza-. Y en realidad se puede ver de millones de otras maneras. Me parece que es ese el valor, o no tiene y caemos en la típica de comparar el rating de Tinelli con el del canal Encuentro. Pero más allá de eso se transformó como en algo, muchas veces, disociada de la realidad: elitista, con un mercado jugándole alrededor.”

Para motivar un cambio radical en este camino pone el énfasis en los jóvenes: “Por un lado, lo que estoy viendo hace un tiempo es mucha juventud moviendo un montón de cosas. Eso me parece como un primer paso muy importante. Movidas chicas, medianas, grandes, por todos lados. Desde revistas, desde internet, movidas en bares, en centros culturales auto-gestionados, en la calle. Mucho movimiento, mucha producción. Se ve gente haciendo y mostrando lo que hace.” Llegado el momento de analizar el encause de este gran movimiento contemporáneo Otamendi es un privilegiado ya que ejerce como ayudante en la UBA y a su vez estudia en el IUNA, “tengo un contacto permanente con gente que está laburando -cuenta-, y haciendo cosas muy diferentes. Algunos se lo toman en serio otros no. Si vos estas atento a las cosas que hacen los otros, a compartir tu trabajo y a ver lo que hay alrededor tuyo, está muy bueno. Porque hay mucha gente haciendo muchas cosas.”

Pero su mirada no se detiene allí y como sus dibujos buscan más allá: “La experimentación como camino que te lleva a probar la técnica, a probar materiales, a hacer del oficio lo que vos tengas ganas de hacer. La producción te lleva inevitablemente a eso. Lo que pasa ahora es que el diseño copó todo. Por un lado está bien, pero no se debe caer ahí inevitablemente, ese no tiene que ser un límite. El arte no es que cualquiera haga lo que le ‘pinte’. Este también es un terreno complicado. Soy bastante obsesivo con la técnica. Si tengo que sacar mi parte más conservadora digo ‘dibuja como quieras pero con la experiencia de saber dibujar, experimenta sobre una base sólida’”. Como cada uno de sus dibujos, sus reflexiones van a lo profundo: “Noto compromiso, pero también mucho facilismo en el arte joven. Hay mucha movida que apunta a instalar una imagen en el mercado. Hay un mercado muy fuerte, y una producción que se genera a partir de eso, con ese fin. Esto no es menor a la hora de evaluarnos a nosotros que somos hijos del mercado. Por eso debe haber un estudio en la obra. Hay que plantarse a pensar el trabajo, el ejercicio, el boceto, de una forma propia. Y ese estudio, a ese nivel la técnica me parece importante. Siempre recuerdo dos frases o máximas que repetía una profesora de dibujo del colegio, ‘Para aprender a romper las leyes hay que conocerlas’ –piensa y agrega-, también ‘La inspiración nos tiene que encontrar trabajando.’”

Su trabajo es metódico, sus dibujos muestran un profundo sentido estético y una técnica muy precisa, pero él apunta sobre una limitación, así lo explica: “Siento que tengo limitaciones. A nivel material me siento estancado hace un tiempo. No puedo salir del lápiz.” Esos Faber clásicos que define con tres palabras, “van como piña”, y entre risas continua: “En general no compongo mis dibujos, siento que los encuadro como en el cine. Tengo una visión más bien de planos. Debe ser por mis referentes cinematográficos. Con los dibujos no siempre tengo en claro qué es lo que quiero decir, cómo lo quiero decir y qué quiero generar, todo eso aparece. Diferente me sucede con el corto en el cual estoy trabajando desde hace dos años y tengo en claro el camino. Pero el objetivo común que me impongo a la hora de laburar es qué me interesa probar. La motivación va más por mi proceso. Siento que tengo mucho por hacer. Me interesa el camino que recorro. Y obviamente el fin, porque la idea es terminar.” Allí recae el sentido de todo su arte, en el proceso de búsqueda, en el boceto de un arte mayor. http://www.matiasboceta.blogspot.com/

Matias en Galeria Mutt

Matías nos recomienda...
Javier Bernasconi (escultura y dibujo)
Max Ernst (pintor)
Grizzly bear (música)
Lars Von Trier (director de cine)
Sirirí Pampa (pintura)

por Rodrigo Illescas

VOLVER

Entrevista Eduardo Gualdoni

2009-08-03T09:29:00.000-07:00

La metamorfosis cotidiana de
Eduardo Gualdoni

En un repertorio que recorre mundos distintos, el artista plástico Eduardo Gualdoni crea imágenes refugiadas en sus raíces de viajero y en una cotidianeidad metamorfoseada, indagando sobre el papel que le fue dado al ser.

Eduardo Gualdoni es el artista del enroque. Como en un juego de ajedrez, aquí el movimiento defensivo es entre los animales y los Hombres. Los primeros son representados fuera de su naturaleza y muchas veces enfrentados al Hombre. Ahí se produce la metáfora de este cambio simultaneo de posiciones ¿Cuánto hay de destierro en la obra de Gualdoni?, ¿cuánto de contraste? Con su pintura parece exponer a los protagonistas a situaciones a las que no están acostumbrados, así aparecen ranas sobre bicicletas, mujeres dentro de frascos, pollos vestidos, ranas componiendo cuadros famosos, tortugas equilibristas, hombres expuestos al agua como a su ambiente natural.

Haciendo de su vida quizás el primero de estos movimientos defensivos, a fines de la década del ‘70, a los 26 años, decide emprender un viaje a Estados Unidos: “Surge a raíz de una propuesta para una exposición en Nueva York, que nunca se hizo. De todos modos acá no era muy lindo estar. Fui para estar veinte, días, y cuando llegué era un mundo diferente. Dije ‘yo no me vuelvo’. Me quedé 5 años. No lo planeé pero se fue dando, las cosas se dan. Vos crees que vas a seguir ese camino, pero de pronto la vida te va llevando por otros lados.” Recuerda con entusiasmo aquellos años en que trabajó de todo, “pero siempre con las expectativas puestas en el arte. Para sobrevivir tuve que hacer muchas otras cosas. Después, sí, le empecé a dedicar mayor tiempo a la pintura, pero no es fácil. Todo ese esfuerzo fue para llegar a esto.”

Gualdoni es un gran observador de las cotidianeidades; une conceptos, experiencias que traduce en imágenes de enorme riqueza visual: “Vivís un montón de estímulos todo el tiempo que después se traducen en el dibujo, en la pintura. Aunque no seas consciente, y a veces, conscientemente lo haces también. Aparecen cosas con raíces diversas de tu historia. Uno, por suerte, tiene memoria.” Su posición en este tema la argumenta: “Hay que mirar todo. Hay que estar abiertos a todo, a la vida diaria, a los sucesos históricos, todo influye en la obra. De un tiempo a esta parte hubo un cambio significativo. Uno de sus actores más importantes fue Marcel Duchamp (artista francés, 1887-1968). Él decía que cualquier objeto fuera de su contexto tradicional podía ser tomado como un objeto artístico. Esto también se presta a mucho engaño. Podes negarlo, pero la cerrazón no lleva a ningún lado.” Gualdoni se entusiasma y entra en debate: “El arte principalmente es sacrificio. En el arte joven actual se ve el sacrificio por ejemplo en el grupo Mondongo, también en el arte en video, en la fotografía. Después hay cosas que no dicen nada. A veces no se nota sacrificio. Pero uno se da cuenta cuando se tiene oficio o no se lo tiene. En realidad el conocimiento, el oficio, yo creo, es esencial. Hay cosas que son de casualidad, hay cosas que uno considera que son ‘berretas’, malas, pero eso se cae solo. En definitiva, si lo que uno está haciendo es artístico o no, es el tiempo el que lo va a decir.”

En el devenir de la creación cada artista toma posición frente a determinados referentes y, de este modo, se va tendiendo su genealogía personal: “Mi imagen es expresionista. Trabajo con personajes. Suelo hacer metamorfosis de animales, que no es nuevo, claro. Ya lo ha hecho El Bosco (pintor flamenco 1450-1516), lo hicieron muchos. En un momento fueron pollos, ahora son ranas. Siempre dentro de lo figurativo. Uno puede decir que son ranas, pero parecen personas disfrazadas de ranas. Físicamente son seres humanos. Los someto a situaciones propias de los humano, andan en bicicleta por ejemplo.” El agua, la inundación es otro dato recurrente en su obra: “Me interesa hundir a las figuras, en vez de terminarlas, y así trabajar con el reflejo. Está bien que siempre estamos hundidos acá en Argentina -larga una carcajada-. Hay veces que planteo trabajos como sumergidos en el agua. También hay personajes que están arriba de otros, y eso tiene que ver con la escala social. Generalmente hay uno que está con el agua hasta la nariz, y otro que está arriba más o menos y otro que está arriba de ese mismo en mejores condiciones.”

Gualdoni trabaja en series y trata de divertirse con sus trabajos, pero como todo, estas series se agotan: “Llega un momento en que te das cuenta de que estás intentando hacerlo, y en realidad lo que haces es copiarte a vos mismo. Hay un punto en que tenes que darte cuenta si lo que estás haciendo es sincero. Cuando se acaba ese fuego hay que tomar otro camino.”

www.eduardogualdoni.com.ar/

Eduardo Gualdoni recomienda:

Jan Saudek (Fotógrafo, checoslovaco 1935) http://www.saudek.com/
Federico Fellini (Director de cine, italiano 1920 - 1993)
Lucian Freud (Pintor, alemán & Ingles 1922)
Franz Kafka (Escritor, checoslovaco 1883 - 1924)
J. L. Borges (Escritor, argentino 1899 - 1986)
El Bosco (Pintor, holandés 1450 - 1516)
Kusturica (Dir. Cine & Música, serbio 1954)
Picasso (Pintor, español 1881 - 1973)

volver

Alexis Minkiewicz Arte Plástico

2009-08-03T09:25:00.000-07:00

Alexis Minkiewicz, 1988, Bs. As.
http://www.flickr.com/photos/alexisminkiewicz

• Nace el 11 de Marzo de 1988 en Villa Cañas, provincia de Santa Fé.

• Actualmente cursa Licenciatura en Artes Visuales. IUNA. Disciplina: Escultura.

• 2009 Dirige taller de arte para niños “El Ensayo” junto con la artista Pétalo Selser Björkman. Capital Federal.

• 2009 Concurso de Dibujo “Palermo Viejo”,(seleccionado) Exposición bar “El Taller”

• 2008/9 Asiste al taller de la artista plástica Dolores Casares.

• 2009, intervención en galería pasaje 17. Espacio vidriera.

• 2008, muestra arte joven, Casa de la cultura. Adrogue.

• 2008, Intervención artística galería Pasaje 17.

• 2007/8, cursa taller de dibujo con Ernesto Pesce

• 2007, expone junto con Pétalo Selser B Björkman en el Espacio de Arte
Contemporáneo a cargo de la artista plástica Dolores Casares.
• 2007, 2º Concurso de Dibujo “Palermo Viejo”, (seleccionado) Exposición bar "El Taller"

• 2006, Mar del Plata, BS. AS. Viaja y Expone en los torneos Bonaerenses. Disciplina: Escultura.

• 2006, Realización de un corazón en la primera muestra a cielo abierto, Fundación Favaloro “Corazones Vivos”

• 2006, Obtención de beca para cursar estudios en Proyectarte, asociación civil por 18 meses.

Volver

Gabriel Francini Literatura

2009-08-03T09:14:00.000-07:00

Gabriel Francini nació en Buenos Aires en 1982. Publicó un libro de poesía: “Canciones” (Tantalia, 2005). En 2008 recibió una mención en el certamen Poeta Revelación organizado por la revista Plebella. Blog: http://www.paquetedecigarrillos.blogspot.com/

CRISTAL DE NIEVE

1

estoy en la vida
girable

la senda se aleja:
mis patas arrastran
canto enredado

pequeño infinito
me cuelgo
y rompo
el cielo de cristal

2

cielo
cristal y ceniza

la escarcha escarba
ceniza de cristal

no vuelo para
pisar el cielo
cristal y ceniza

la escarcha mata
acá

3

partícula encendida
respiro y giro al sol
acá goce de polen
las vueltas van mi ser

miro arriba y veo abajo
caeme, rayo amanecedor
pulso cósmico

encontrar el infinito
donde nace
morder las hojas carnosas
del árbol de la vida

4

clavado en el centro
de un mundo redondo
espero la llave
que vino y vendrá
cada vez más blanca

la soy
pero sólo se activa
cuando el mundo es un punto

5

un hado del destino
es escarabajeado
en una nube que amás

arde un alma la herida
en tu pupila entre el sol
final y el mar de amor
amigando al renacer
ceniza disonante

6

en primavera
quisiera morir

en primavera
la virtud de durar
no es auténtica

en primavera
quiero ser
néctar robado

VOLVER

Música - T-Rex

2009-08-03T09:01:00.000-07:00

T-Rex es un grupo de rock inglés de los años 70s. Liderado por Marc Bolan (guitarrista, vocalista, compositor), cuyo nombre artístico surgió de su fanatismo a Bob Dylan. A la edad de 29 años murió en un accidente automovilístico. Ya habiendo editado mas de 15 discos, 8 con T-Rex. A pesar de su corta vida, Marc en su búsqueda encontró su estilo musical marcado claramente con un sonido de rock eléctrico y su voz con alta carga sensual y erótica dando como resultado un rock glamp con tintes pop.

Tanx se edito en el año 1973, esta compuesto con ritmos de rock and roll y boogie. El disco contiene 15 excelentes canciones ideales para musicalizar muchísimas situaciones de nuestra vida. Es un disco con una marcada apostura de glamp-Rock puro, con participaciones de David Bowie tocando el saxo en The street & babe shadow y la novia de Bolan coreando góspel en la fantástica y melancólica balada Left Hand Luke. Tanx es un disco que todo amante de la música no puede no conocer ni privarse de escuchar. Es una montaña rusa de emociones musicales, en donde la voz es un instrumento más.

por Facundo Macchi

VOLVER

Teatro: "Este Loco Burdel"

2009-08-03T08:49:00.000-07:00

Este loco burdel es una comedia clásica del género del teatro argentino. La obra trata sobre un grupo de personas que viven de las bondades de un burdel de los años cuarenta, el cual se ve amenazado producto de la llegada inesperada de un senador de Bs. As. que insiste con transformar el piringundín en biblioteca pública. Es allí donde las chicas que lo integran comienzan una serie de engaños y enredos divertidísimos para hacerle creer al político que el lugar es un asilo de niñas inocentes. Esta obra refleja claramente la unión y el compromiso del elenco que la integra. Estos artistas demuestran pasarla muy bien arriba del escenario, elemento clave para el éxito de un actor. Ideal para un sábado muy tranquilo de teatro.

Organizador: Pimpollos
Fecha: Sábados de agosto de 2009
Hora: 20:00 - 21:25
Lugar: Teatro Colonial
Calle: Av. Paseo Colón 413
Ciudad/Pueblo: Buenos Aires, Argentina
Teléfono: 43427958

Por Abril Cohen Mayor

Volver

Cine: El Gran Pez

2009-08-03T08:40:00.000-07:00

Para los que nos declaramos seguidores de este excéntrico director creador de universos fantásticos, nos quedamos fascinados al descubrir el cuento de hadas que presenta el Gran Pez. En esta película Burton plantea la importancia y dificultades que presentan las relaciones entre padres e hijos.

En la secuencia inicial vemos al joven Will Bloom escuchando atentamente las extrañas historias repetidas una y otra vez por su padre, Edward. Will crece sin comprender porque su padre se empeña en continuar con una costumbre (la de contar las mismas historias) que el considera infantil, a lo largo de los años esta situación hace que Will sienta a su padre como un completo desconocido. Su paciencia se colma cuando en el ensayo de su boda, pierde protagonismo por los relatos de su Edward, a partir de aquí se produce un corte en la relación hasta que el Will descubre que su padre padece una enfermedad terminal. La historia esta narrada a través de múltiples flashbacks con un despliegue visual y colorido nunca antes visto en las películas de Burton, en la que se va revelando las verdades de la vida de Edward Bloom y la realidad que encierran sus historias.

La película cuenta con brillantes actuaciones y complementa con una banda de sonido muy armoniosa. Al igual que en otras películas de Tim se aprecian tanto emocional como visualmente los momentos oscuros y las combinaciones acertadas entre las escenas dramáticas con las tiernas y dulces; como también el traspaso de las situaciones surrealistas, con las cotidianas y reales.
Del Gran Pez nos llevamos importantes mensajes sobre el amor, la amistad y las relaciones familiares, Tim Burton nos habla del amor utilizando los colores que los cuentos de hadas proveen. Esta fábula sobre la vida revela lo importante de los distintos tipos de amores y la necesidad de que la imaginación inunde nuestra existencia, de forma que los momentos difíciles de superar se vuelvan más sencillos y para que nunca deje de existir el niño interno que cada uno tiene.

Por Florencia Apduch

VOLVER

11ava Feria del Libro Independiente y Alternativo FLIA

2009-08-03T08:32:00.000-07:00

La Feria del Libro Independiente y Autogestiva (FLIA) es un evento creado con la intención de reunir escritores y publicadores independientes, con otros amantes de la literatura, de forma totalmente gratuita, tanto para ingresar a modo de espectador o cliente, como para quien desee publicar su material allí. La idea de la Feria es proponer un espacio donde la gente interesada y generadora de cultura pueda reunirse con total libertad de participación sin ningún tipo de presión por parte de sponsors o marcas.

En su edición número once la Feria se realizará sobre la calle Querandíes al 4290, Caballito, en una fábrica recuperada por sus antiguos trabajadores, donde se podrá asistir los próximos domingo 16 y lunes 17 de agosto de 12 a 22 horas.

Las formas de participar en la Feria son diversas: Para quien quiera tener un puesto de exposición y venta deberá mandar un mail a flia.stands@gmails.com, contando acerca de su persona y el material a mostrar, también está el espacio colectivo de escritores para quien no tenga libros que exponer pero si esté interesado en mostrar su material. Quien desee proponer un debate acerca de los temas contenidos por la Feria deberá mandar un mail con el asunto de la charla o debate a flia.charlas@gmail.com. Los poetas, músicos, actores, etcétera que quieran tener un espacio en el escenario tendrán que enviar a flia.escenario@gmail.com un mail con los datos de la performance a realizar. Para clowns y relatores de cuentos infantiles que estén interesados en contribuir con los más pequeños deberán enviar a fliita.flia@gmail.com. Son convocados a participar los artistas visuales de cualquier rubro, quienes deseen exponer su obra deberán mandar un mail con los datos de la misma a flia.artevisual@gmail.com. Habrá una sala de proyecciones y cine independiente, los interesados deberán enviar un mail a flia.proyecciones@gmail.com con el tiempo, formato e información del director y su obra.

Los realizadores de la Feria del Libro Independiente y Autogestiva se reúnen en el Centro Cultural Pachamama (Argañaráz 22), todos los martes a partir de las 22 horas. Quien desee participar de la gestación de este evento cultural estará invitado a concurrir al encuentro que se realiza en forma de asamblea, incentivando la comunicación y libertad de expresión.

VOLVER

Primer Festival Internacional Buenos Aires Polo Circo

2009-08-03T08:13:00.000-07:00

Vive le cirque!

Del pasado 29 de junio hasta el 5 de julio fue presentado en el barrio de Parque Patricios por el Gobierno de la Ciudad el Primer Festival de Circo de Buenos Aires. Con las bases de que el circo funciona como herramienta de interacción e inclusión sociocultural, la idea de este primer festival fue renovar el vínculo entre el público y las carpas. Polo Circo fue hecho considerando las diferencias entre el viejo espectáculo tradicional, que tenía como receptores principales a niños y el circo contemporáneo que se desarrolla buscando un público más amplio, que atiende de igual forma a las proezas de los saltimbanquis como a la estética generada en la carpa.

Polo Circo fue un evento creado para la familia y los amantes del espectáculo circense, allí el espectador pudo sumergirse en un mundo repleto de magia y fantasía. Alrededor de veinte grupos de circo integrados por payasos, clowns, trapecistas, mimos, malabaristas, equilibristas, etcétera; deleitaron los corazones de más de diez mil personas. Participaron en el Festival grupos profesionales de distintos países, mayormente franceses y nacionales, aunque también se le dio el espacio a grupos amateurs en desarrollo locales, entendiendo que los mismos están formando parte de la corriente circense actual.

Al comenzar el espectáculo el público fue absorbido por el clima característico, donde las distintas doctrinas artísticas se fusionaban para despertar sensaciones y sentimientos desgastados por la rutina. Al admirar a las tribunas con sus espectadores se vieron a niños y adultos como pares hipnotizados por la función, asombrados y expectantes, rompiendo en aplausos al finalizar el mismo. Ese fue el principal objetivo de Polo Circo: Poder consentir nuestro niño interno.

VOLVER

Agustín Baridon Fotografía

2009-08-03T07:48:00.000-07:00

Agustín Baridon, Bs As. elbari87@hotmail.com

volver

Kevin Fingier Arte Plástico

2009-08-02T18:33:00.000-07:00

Kevin Fingier, 1989. Bs As.
http://www.artedekevin.blogspot.com/

Volver

Nicolas Heller Literatura

2009-08-01T12:06:00.000-07:00

Nicolas Heller, Bs As.
http://ociosinprisa.blogspot.com/

El rey pálido

El rey rastrillaba la mesa con sus dedos mientras inhalaba profundas bocanadas de aire, y de su boca brotaban carcajadas espumosas. Debajo del cristal de las copas y el metal de bandejas llenas de sopas hirviente, dos vasallos masajeaban sus muslos y sus pies descalzos. Ellos reían también, y todo en el salón era una espiral de humo ascendente y enloquecido festejo por el cumpleaños del monarca.
Los cuerpos de bufones livianos giraban sobre si mismos, dando alaridos y palmadas. Los músicos se mezclaban en la danza, con frescas mujeres de belleza lunar. Pues toda mujer en el reino debía colorear su aspecto, buscando ser como la luna. Ella ocupaba casi por completo los pensamientos del rey, convertida ya en su obsesión infinita.

- Pasan los siglos indiferentes para el brillo de la luna – decía entre dientes, como un murmullo inaudible bajo el peso de sus carcajadas. Ninguna de sus lívidas amantes le competía en su belleza, o quizás por un momento, pero todo se desvanecía en el contacto.

En un salón cercano del palacio, los poetas a sueldo, se preparaban para el amanecer. Debían recitar palabras suaves, que logren dormir al rey y estimulen su experiencia onírica. Calentaban la garganta con un líquido burbujeante y dejaban que se derrame por sus bocas, como luego harían con largos sonetos de rima fingida.
El rey sentía la blancura de la luna en los vidrios, como la omnipresencia de un dios ignorado, y pedía más polvo para empalidecer su rostro ojeroso.
La madre del rey, loca desde hacía tiempo, bajaba en las noches de fiesta para alejarse del ruido y bañarse sola en las fuentes del palacio. Esa era su intimidad: Cuando dejaba que el agua la llevara al lugar, del que quisiera nunca haberse ido. Sentía su cuerpo traspasando los límites de su piel y enmendándose. Limpiando todo lo que no fuera juventud. Hasta que las manos de guardias reales, la arrastraban de nuevo al castillo, devolviéndole el peso de su desagradable identidad.

Todo movimiento era cotidiano para el rey. El futuro era su memoria, y el calendario, su naturaleza. Su vida era oscilación entre el límite de la fiesta y la melancolía pura. A veces, en momentos de reflexión lúcida, comprendía la naturaleza de su encierro, pero en su frente y en cada músculo arrugado de su cuerpo entumecido, había triunfado la rendición.

Se le había hecho tarde para renunciar. Cada pequeño lujo le parecía vital. Sus hábitos estaban arraigados profundamente en un poso inaccesible de su propia oscuridad, oculto bajo mantas y frazadas de costumbre.
Cada semana, cambiaba sus ropas y sus peinados, para pasearse largamente por el salón de los espejos. Sentía una extraña calma en ver su imagen multiplicada. Miles de reflejos de rey le susurraban posibilidades que se esparcían por el salón, y le permitían olvidar su miedo de ser él, quien respire dentro de su cuerpo.

Fuera de su cuerpo, lo único que en el castillo se respiraba, era el aire de la conspiración. En los ojos de los sirvientes, oculta bajo la imagen de una alegría primaveral y años de servicio complaciente, hervía la traición. Se sabía que el reinado iba a acabar pronto, y ellos podrían despacharse del monarca ignorante, codicioso y hedonista.
Los hombres de la corte, habían elegido a su reemplazante. Los militares no iban a oponerse. Ya no quedaban asuntos que arreglar. El rey sería asesinado durante el desayuno. Un cocinero iba a poner veneno en su comida.

- Hemos gastado toda nuestra tolerancia – se oía en los pasillos - el rey ha tenido más de lo que cualquiera. Y nunca torció su cabeza, para mirar alrededor. Vivió tragando el veneno del poder, y así es que ahora, el veneno terminará de atragantarlo.
En la noche anterior, estaba todo previsto, inclusive el lacayo que llevaría la bandeja con el desayuno final.
El rey dormía, y en sus sueños llegaba a tocar la luna, mientras los sirvientes formaban alambre de púa con sus pensamientos. La tierra seguía moviéndose, el rey se reía entre sueños, y aparecía el amanecer.
Al despertarse, bañó su cuerpo en las fuentes, y entró con una amplia sonrisa en el comedor. Se sentó en la mesa y miró por la ventana.

- ¿Tus ojos pueden verla también? – preguntó al lacayo que se acercaba trayéndole una bandeja.
Era la primera vez que su señor le dirigía la palabra, y el sirviente no imaginaba como actuar.
- Tras la ventana, la luna – dijo el rey.
El lacayo la vio. Iluminada por la claridad del sol, la enorme luna pálida, se acercaba lentamente hacia el castillo. No estaba lejos. El rey miraba por la ventana y sonreía satisfecho.

- Necesito que me acompañes a buscarla al jardín – dijo el rey - Podré pararme sobre tus hombros para atraparla, ya está llegando, me viene a buscar.
- ¿Y el desayuno, su majestad?
- Eso puede esperar.

Los ojos en el castillo se retorcían de murmullo, viendo la imagen del monarca gordo, sostenido por quien debió ser su envenenador. La luna estaba llegando al jardín, y traía su sombra. El rey le abría sus brazos y ella bajaba lentamente. Lentamente, se acercaba. Cuando sintió su respiración, la luna atrajo el cuerpo del rey, para introducirlo en su campo gravitatorio. Él se elevó hasta empezar a caer, y terminó reposando dulcemente sobre la piel pálida de la luna. Los dos, ahora juntos, comenzaron a subir.

Los siguientes diez años de la vida del rey, transcurrieron entre las constelaciones. La luna orbitaba la tierra. Él se alimentaba de las nubes y disfrutaba el silencio. Hablaba con ella cuando quería, le contaba los cuentos de su reino, saltaba largamente y sentía el calor del sol en los eclipses.
Pero luego de transcurridos diez años, la luna empezó a extrañar la soledad. Había vivido enormes siglos sin nadie, y pensó que eso podría cambiar. Le había intrigado tener un amante, pero ese rey, resultó siendo un perezoso lleno de vanidad. Alguien que nunca podría acompañarla en sus fases, pues solo podía ver dentro de sí mismo. Y se decidió a abandonarlo.

Una mañana, se acercó al planeta, como lo había hecho diez años atrás, y despidió al rey de su órbita. Lo dejó en el jardín del castillo, para volver al cielo. Sola.
Él rey, no sintió tristeza, solamente un inconmensurable deseo de comer. El alimento no había sido importante durante estos años, pero al caer nuevamente en su planeta no sintió otra cosa que hambre.
Caminó ciegamente por el jardín del castillo, que no había sufrido modificación alguna. Llegó al comedor, donde sus lacayos lo esperaban como siempre. Uno de sus bufones sacó su guitarra y empezó a cantar. Las mujeres pálidas bailaban, como cada mañana, y el rey, sentado en la cabecera de su mesa, comenzó a tragar su desayuno envenenado.

Nocturno

Como un actor disconforme
Que discute con sus parlamentos
Mientras se retuerce en el escenario
Intentando desaparecer,
Así yo, escribo en la oscuridad
Pilas de libracos polvorientos,
Y edificios de forma defectuosa.

Me pruebo sombreros distintos,
Pero no hallo que ninguno llegue
A la perfección que necesito,
Para trascender el espacio,
E inundar tu casa,
Para compartir las horas
Que dure esta noche.

Mi presencia se aliviana y se divide.
Algunos de mis órganos ya funcionan
De modo independiente.

Como mis ojos, que ya no ven
Lo que toca mi frente,
Por la que circula un aire distinto,
Del que sube ahora por mi espalda,
Que cae pesada sobre la cama
En la que no están mis piernas,
Porque corren alejándose de la boca,
En la que nada interrumpe el silencio.

Estoy aquí y estoy allí.
Mi presencia se disipa
Buscando abarcar todas las distancias.

Como un actor pretencioso
Que engaña a la audiencia
Adelantando sus líneas
Mientras se retuerce en el escenario
Intentando desaparecer,
Así yo, que busco la voz de la perfección,
Me hallo sin saberlo,
Cultivando los surcos de mi defecto.

volver

Joaquín Le Bellot Arte Plástico

2009-08-01T12:00:00.000-07:00

Joaquín Le Bellot, 1992, Bs As.
lebellotj@hotmail.com

Volver

Rosalba Cuevas Fotografía

2009-08-01T11:53:00.000-07:00

Rosalba Cuevas, 1989. La Plata
http://www.arteyfotografia.com.ar/11235/fotos/

Volver

Galería.Mutt

2009-07-05T19:18:00.000-07:00

Bienvenido a la Galería online.MUTT

Galería de Arte Plástico

Galería de Fotografias

Galería de Literatura

Galería de Música

Envianos tu material a galeriarmutt@gmail.com, sera seleccionado y publicado.

2009-06-22T00:11:00.000-07:00

Manos a la obra Nr.1 / .jpg para coleccionar

2009-06-21T11:12:00.000-07:00

clic en la imagen

Andy Chango Canta a Boris Vian

2009-06-20T12:00:00.000-07:00

Andy Chango se agotó del rock “mediático” y decidió experimentar con otros estilos musicales. Mal no le fue ya que creó un disco que suena distinto a todos los de este siglo. Sus sonidos nos hacen asociarlo con un estilo de jazz impecable, sonido clásico de un burdel de los años 60’s. Con participaciones de Fito Páez y Andrés Calamaro, Chango rindió un homenaje traduciendo al español y poniéndole música a la obra de este poeta, escritor, cantante y trompetista francés, llamado Boris Vian (1920 - 1959), famoso por su virtuosismo, sus vicios y extravagancias. El albúm salió a la venta el 10 de junio del año pasado en España y Andy lo presentó en la Argentina en una única función el 22 de mayo en el Auditorio ND Ateneo. A sala llena brindó un show impecable con la posibilidad, por parte del público de subir al escenario. Boris Vian es un disco que crea un ambiente retro festivo-divertido para bailar, disfrutar y escuchar.

Video, "Viva el progreso"

Video, "Snob" con introduccion Boris Vian

por Facundo Macchi

Movimientos Artisticos: Surrealismo

2009-06-19T14:48:00.000-07:00

Sin duda el Surrealismo ha sido uno de los movimientos artísticos más significativos dentro de la historia del arte, no sólo por su rica producción pictórica, literaria, cinematográfica, entre otras, sino también por su fuerte ideología. El movimiento nace en Francia en un contexto histórico particular entre las dos guerras Mundiales y la creación de la URRS. Si bien es difícil especificar un año para la creación del mismo, debido a que se fue gestando en diferentes acciones de los futuros surrealistas (Aragon, Eluard, Soupault, Peret y André Breton padre y mayor impulsor del movimiento). Se suele citar su creación en 1924, año en que se publica el Manifiesto Surrealista. Promovían el automatismo, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. El Surrealismo está ligado con el Dadaísmo que fue un movimiento anterior en el cual Bretón participó por un corto período. Este personaje se interesó en la obra de Sigmund Freud. Entre sus inspiraciones sobresalieron el arte de los niños y de los dementes que representaron algunas de las muchas fuentes del surrealismo. Ideológicamente, este movimiento se sustentó en busqueda de lo más profundo del ser para comprender en su totalidad al hombre. Tabla de valores surrealistas “No hay Dios, ni Biblia, ni Evangelio, no hay palabra que detenga al espíritu ” (La revolution surrealiste, 1925)“…la gran claridad materialista de las iglesias incendiadas….el infinito gusanerío del cristianismo debe ser aniquilado…barrer a Dios de la faz de la tierra” (Manifest “Au feu”, 1931)“La belleza, el valiente arte última consecuencia de la lógica, es necesario destruirlos..”M.Nadeau“…Es necesario emplear todos los medios para acabar con la idea de familia,de patria, de religión..” M. Nadeau“La esperanza es una falsa actitud del espíritu”,” No hay salvación alguna” M .Nadeau “L insurrección absoluta, la total negación de la sumisión, el sabotaje como norma”. Bretón. “ No existe ningún orden revolucionario, sólo existen el desorden y la locura”, Paul Eluard , La revolution surrealiste, N4, 1926“ El suicidio es un instrumento de selección”. R.Crevel.“Hay que organizar el`pesimismo” E.Naville,1927

fragmento "Un perro andaluz" film surrealista de Luis Buñel y Salvador Dali

Nadja de André Breton (Traducción Je Aguscí Bartra)

Esta es la historia que, yo también, tuve el deseo de contarte, a ti, cuando apenas te conocía, ¡oh tú que no puedes recordar! pero que habiendo, como por azar, conocido el principio de este libro, has intervenido tan oportunamente, tan violentamente y tan eficazmente cerca de mí, sin duda para recordarme que yo lo quería "batiente como una puerta" y que por esta puerta, sin duda, sólo te vería entrar a ti. Sólo tú entrarías y saldrías. Tú, que de todo lo que he hecho no habrás recibido más que un poco de lluvia sobre tu mano levantada hacía "las auroras". Tú, que me haces lamentar tamo haber escrito esta frase absurda e irretractable sobre el amor, el único amor, "el que soporta todas las pruebas". Tú, que para todos los que nos escuchan no debes ser una entidad sino una mujer; tú, que más que nada eres una mujer, a pesar de todo lo que se me ha impuesto y se me impone en ti para que seas una Quimera. Tú, que haces admirablemente todo lo que haces y cuyas espléndidas razones, que para mí no lindan con el desatino, brillan y caen mortalmente como el rayo. Tú, la criatura más viviente y que pareces haber sido puesta en mi camino sólo para que experimente con todo su rigor la fuerza de lo que no ha sufrido en ti. Tú, que sólo conoces el mal de oídas. Tú, con toda seguridad, idealmente hermosa. Tú, a quien todo conduce al alba y que por esto mismo tal vez no volveré a ver nunca...
¿Qué haré sin ti con este amor para el genio que siempre he sentido alentar en mí, y en nombre del cual, lo menos que he podido hacer ha sido suscitar algunos agradecimientos, aquí y allá? Me jacto de saber dónde está el genio, de casi conocer en qué consiste, y lo consideraba capaz de conci-liarse con todos los otros grandes ardores. Creo ciegamente en tu genio. No sin tristeza retiraré esta palabra, si te sorprende. Pero entonces la desterraré del todo. El genio... ¡Qué podría yo esperar aún de algunos posibles intercesores que se me han presentado bajo este signo y que he cesado de tener cerca de ti!
Sin hacerlo adrede, tú has sustituido a las formas que me eran más familiares y a varias figuras de mi presentimiento. Nadja era una de estas últimas, y considero perfecto que me la hayas ocultado.
Todo lo que sé es que esta sustitución de personas se detiene en ti, porque nada puede sustituirte, y que para mí, esta sucesión de enigmas debía terminar para siempre ante ti.
Tú no eres un enigma para mí.
Digo que tú me desvías para siempre del enigma.
Ya que existes, como sólo tú sabes existir, tal vez no era muy necesario que este libro existiera.

He creído poder decidir de otro modo, como recuerdo de la conclusión que deseaba darle antes de conocerte y que tu irrupción en mi vida no ha hecho inútil a mis ojos. Este final sólo cobra su verdadero sentido y toda su fuerza a través de ti.
Ella me sonríe como a veces me has sonreído tú, detrás de grandes zarzales de lágrimas. "Es todavía el amor", decías tú. Y más injustamente llegaste a decir también: "O todo o nada".
No me opondré nunca a esta fórmula con que se ha armado una vez por todas la pasión, erigiéndose en defensora del mundo contra él mismo. A lo sumo me atrevería a interrogarla sobre la naturaleza de este "todo", si, a ese respecto, por ser la pasión, no se hiciera necesario que estuviese imposibilitada de escucharme. Sus movimientos diversos aun en la medida en que soy víctima de ellos -y que ella sea alguna vez capaz de arrebatarme la palabra, de negarme el derecho a la existencia-, ¿cómo me arrancarían todo entero del orgullo de conocerla, de la humildad absoluta con que deseo estar ante ella, sólo ante ella? No apelaré contra sus más crueles y misteriosos decretos. Sería como desear detener el curso del mundo, en virtud de no sé qué potencia ilusoria que ella me da. Sería como negar que "cada cual quiere y cree ser mejor que este mundo que es el suyo, pero aquel que es mejor no hace más que expresar mejor que otros este mismo mundo"'.

Cierta actitud se deduce necesariamente con respecto a la belleza, la cual, obviamente, sólo ha sido tomada en cuenta aquí para fines pasionales. De ningún modo estática, es decir, encerrada en su "sueño de piedra", perdida para el hombre en la sombra de esas Odaliscas, al fondo de esas tragedias que solamente pretenden cercar un solo día, apenas menos dinámica; es decir, sometida a este desenfrenado galope después del cual ha de comenzar otro galope semejante; es decir, más traviesa que un copo de nieve; es decir, decidida, temiendo ser torpemente abrazada, a no dejarse besar nunca: ni dinámica ni estática, veo la belleza como te he visto a ti. Como yo he visto lo que a su hora y con un tiempo previsto, y espero y creo con toda mi alma que se dejará repetir, te entregaba a mí. Ella es como un tren que tironea en la Estación de Lyon, pero que yo sé que no partirá nunca, que no ha partido. Ella está hecha de sacudidas, muchas de las cuales no tienen ninguna importancia, pero que sabemos destinadas a producir una Sacudida que sí la tiene, que tiene toda la importancia que yo no quisiera darme. El espíritu se arroga, un poco en todas partes, derechos que no tiene. La belleza, ni dinámica ni estática. El corazón humano, bello como un sismógrafo. Realeza del silencio... Un periódico de la mañana bastará siempre para darme noticias mías:

X... 26 de diciembre. El encargado de la estación de telegrafía sin hilos situada en la lie du Sable, ha captado el fragmento de un mensaje que seguramente fue lanzado el domingo por la noche, a tal hora, por el... El mensaje decía, especialmente: "Algo se ha descompuesto...", pero no ¿indicaba la posición del avión en aquel momento y, a causa de las malas condiciones atmosféricas y de las interferencias que se producían, el telegrafista no ha podido captar ninguna otra frase ni establecer nueva comunicación.
El mensaje había sido transmitido por una onda de 625 metros; por otra parte, dada la fuerza de la recepción, el telegrafista ha creído poder localizar el avión dentro de un radio de 80 kilómetros alrededor de la lle du Sable.
La belleza será "convulsiva" o no sera.

por Laura Verónica Nató

Cine.Mutt Blow Up

2009-06-19T12:36:00.000-07:00

Blow-Up de Michelangelo Antonini es un hallazgo para los amantes del cine así como también para los amantes de la literatura. La película cuenta con dos nominaciones al oscar por director y guión y la nominación para la Palma de Oro del Festival de Cannes. Basada en un cuento de Julio Cortázar, "Las babas del diablo", el personaje principal es un fotógrafo profesional, Thomas, quien divide su tiempo entre modelos despampanantes y su "trabajo de calle". Secretamente las fotografías que toma de una pareja en un parque podrían revelar un asesinato en progreso, o no. Blow up es una brillante cápsula del tiempo del Londres de los 60’s preservando la moda, la música, el amor libre y la vanguardia del momento. Blow-Up es un hermoso film para la vista y nos invita a descubrir como espectadores el enigma de lo que se ve, lo que no se ve y lo que la cámara ve. Queda claro que quien lea el cuento y vea luego la película le resultará difícil relacionarlos, ya que Antonioni utiliza del cuento de Cortázar elementos y detalles que tienen sólo que ver con lo que se quería mostrar a lo largo de la cinta: el descubrimiento de un hecho a través de la fotografía, las ampliaciones de las mismas, la ilusión de poder llegar a evitar un crimen y la decepción e impotencia que se siente ante las suposiciones equivocadas. Pero el relato y el significado de la historia de Cortázar son completamente distintos a los de la película, se necesitaría otra película para explicar Blow Up. El director lo llamó "un film zen" ya que es una película que puede llegar a tener muchas interpretaciones debido a que esta inspirada en el problema de lo que puede llegar a aparentar la realidad. Pocas veces voló tan alto la imaginación cinematográfica a partir de un relato.

por Florencia Apduch

Entrevista a Florencia Montes

2009-06-19T12:19:00.000-07:00

Fotografía: Florencia Montes“Embarro a la gente para sacarle fotos”

Florencia posando para R.mutt

Antes de adquirir su flamante cámara post segunda guerra mundial, Pentax 1000, con la que se muestra encariñada y hasta en cierto punto obsesionada, Florencia Montes (Buenos Aires, 1988), cuenta que la fotografía llegó a su vida por medio de una pequeña y mala cámara compacta, luego, con una sonrisa tímida y muy vivaz dice que un novio de la adolescencia, a modo de estímulo, le regaló una cámara digital de pésima calidad. “Eso sucedió cuando tenía 15 años. Igual más bien fue una casualidad (la llegada de la foto a mi vida). Siempre me gustaron las imágenes, <> y <>, son el eje de mi persona”. Florencia se muestra firme en su manera de entender la fotografía. Su meta profesional es mantener el amor por lo que hace por sobre todas las cosas y “que jamás se contamine con ningún sentimiento pedante.. Obviamente también quiero dar a conocer lo que hago. Me gustaría poder llegar a todos los ojos y que sientan mi mensaje de la forma mas certera posible, con la misma energía con la que fue sacada la foto”. Se muestra segura con sus manos rodeando y sopesando la cámara, de la misma forma cuenta sus proyectos. “Tengo muchos. Ahora estoy preparando una exposición de la serie Tierras (parte de la serie publicada en este número), de a poco, con tiempo. También estoy empezando una serie de retratos femeninos basada en Modigliani (pintor italiano, 1884-1920). Y otras cosas que tengo en lista, por ejemplo incursionar en fotogramas. Mis proyectos fotográficos por ahora van por el lado de los retratos.” Para eso camina por las calles de Buenos Aires en busca de rostros de personas

Florencia posando para R.mutt

a quienes decide, a golpe de vista, son indicadas para llevar adelante el proyecto o la serie de fotos que tiene en mente. Un ejercicio intelectual que va más allá de la composición que logra en cada toma. “La persona es el eje -dice ella-, el humano, ese ser tan interesante me emociona profundamente, me parece un ser increíble, hermoso, poderoso, imaginativo, es cautivante. Me deja sin palabras constantemente porque me parecen geniales las respuestas de la gente. Por eso es que embarro a una persona, para ver como responde, más allá de la foto, es estar en ese momento y verlo. Somos seres primitivos y nos cuesta mucho ensuciarnos. Poder llevar a la gente a ciertos extremos en los que no sepan como manejarse es un aprendizaje para ellos y para mi.” Cuando se le pregunta sobre qué técnicas utiliza duda unos instantes y empieza a contar. “No trabajo una técnica especial. Creo que soy más bien clásica, pero, sí, utilizo bastante el forzado. Me gusta mucho como queda, lo que hace es aumentar el grano y el contraste de la película. La única desventaja que tiene es que pierde calidad, no mucha, claro. Aunque eso depende de cuantos puntos uno fuerza. Recomiendo forzar uno, no mucho más que eso. La base del forzado en verdad, es mentirle a la cámara. Digo, la película tiene más sensibilidad que la real, se usa más en caso de poca luz.” Casi todo lo hace con su Pentax K1000. “Es una cámara profesional del ‘70 -cuenta Florencia-, es muy austera, y mecánica. Soporta todo, por eso generalmente se dice que es una cámara de guerra más allá de los antecedentes de su fábrica. Es una réflex completamente manual. Lo único que necesita es una pila de reloj para el fotómetro. Yo la defino como un caño por lo confiable que es y su dureza. Fue un auto-regalo. Me la compre en la famosa calle Libertador. Es accesible, está entre 400 y 500 pesos, se la puede encontrar más barata.” Titubea con la vista perdida en su cámara y agrega, “utilizo muchas películas. Me emociona comprar películas que no utilicé antes. Mis favoritas son, la Pro 160S de Fuji, el Konica color que tienen un halo muy natural, sobre todo el Pro 160S. Por otro lado, Ilford HP5 que es de blanco y negro. Igualmente, hoy por hoy es difícil conseguir una variedad de películas ya que se utiliza mucho Kodak y yo no soy muy fan de esta marca. Recomiendo comprar y probar para poder encontrar cual es la película para cada situación y qué es lo que más nos agrada porque cada rollo es para cada fotógrafo.”

Florencia no sólo sobresale por sus fotografías, su energía y su profesionalidad, sino por la clara visión sobre el mundo que la rodea cuando hace a un lado las fotos para mirar desde otro lado el oficio del fotógrafo. “¿Qué ves?, ¿qué buscas?, ¿aplausos?, ¿compartir? -pregunta y responde-. Busco educación a cada paso de mi vida, busco la educación de mi persona para poder transmitirla a la futura generación. No me interesa volverme cultura, ni pilar, ni talentosa, ni famosa. Talento sé que tengo, belleza sé que tengo, inteligencia sé que tengo, bondad sé que tengo. Y eso no es soberbia, eso es conocerse y tomarse como uno es. Porque esas cosas positivas, también son negativos. ¿Dónde quedaron los reales maestros y los reales alumnos? ¿Dónde quedó aquel que hablaba desde el amor al arte y no a través del ego estúpido? ¿Dónde quedaron los alumnos que amaban al arte más allá de todo? Amo lo que hago, yo amo la fotografía y sólo encuentro estructuras creadas por un sistema alimentado por profesores y alumnos superficiales. ¿Qué le pasa a una persona que está a tu misma altura y compite porque sacaste una foto mejor que ella? ¿Le genera celos? ¿No le resulta bastante básico eso? ¿Por qué no aplaudir desde el corazón a la obra más allá del autor? ¿Por qué no aplaudir al Ojo más allá de todo? Pero no, los maestros crearon la competencia y los cerdos alumnos, la aceptan y le dan más fuerza. Yo no busco que me aplaudas, yo busco que me ayudes, que me alimentes, que me critiques constructivamente.” Aunque después afirma que hay jóvenes que hacen cosas muy buenas, hace una pausa en la que parece pensar la forma de decirlo y agrega entre risas, como ejemplificando, “el constante proyecto que tengo es educarme.”

¿Qué recomienda Florencia Montes?
Man Ray (Fotógrafo, Filadelfia 1890-1976) http://www.manraytrust.com/
Abelardo Morell (Fotógrafo, La Habana 1948) http://www.abelardomorell.net/
Jorge Mónaco (Fotógrafo, Buenos Aires 1957) mas info
Matías Otamendi (Dibujante, Buenos Aires) http://matiasotamendicv.blogspot.com/
Gonzalo Nogueira (Fotógrafo, Buenos Aires) http://gonzalonogueira.blogspot.com/

Blog de Florencia: http://www.florenciamontes.blogspot.com

Florencia en Galeria Mutt